Subodh Guptas Projekt 'Cooking the World' auf der Art Basel 2017, wo er ein siebengängiges Festmahl mit indischem Essen servierte. (Foto: Subodh Gupta Studio)
Auf der Art Basel 2017 war der sonst so gut aussehende Subodh Gupta zu sehen, wie er mit einer Schürze durch die Gänge ging. Statt Farben zu mischen oder Skulpturen aufzustellen, mahlte er Gewürze, hackte Gemüse und rührte in einem Wok in einer provisorischen Küche, die er als Teil einer Installation aus gebrauchten Utensilien entworfen hatte. In Anspielung auf den wirtschaftlichen und sozialen Wandel Indiens beherbergte das riesige Gebäude auch einen Esstisch. Hier servierte Gupta in vier täglichen Sitzungen eine Woche lang über 20 Gästen sein siebengängiges Festmahl mit authentischer indischer Küche, darunter Gerichte aus Bihar. Der Aufstrich umfasste Linsensuppe, Bhel Puri, Khichdi und Safranjoghurt mit Bananenscheiben. Die Gäste aßen, plauderten und fanden neue Freunde.
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„Essen mag politisiert worden sein und Faktoren wie Religion und ethnische Zugehörigkeit könnten es beeinflusst haben, aber es hat sicherlich die Fähigkeit, Menschen zusammenzubringen. Das ist, was ich tun möchte. Menschen, die am selben Tisch sitzen, essen nicht nur, sie führen Gespräche. Die Aufführungen fördern Inklusion in Zeiten wachsender Intoleranz. Menschen sind nicht nur Zuschauer, sie sind Teil der Handlung“, sagt Gupta, 57.
Das Projekt „Cooking the World“ auf der Art Basel war nicht seine erste Installation/Performance auf Essensbasis. Der in Gurugram lebende Künstler ist für seine Leidenschaft für das Kochen bekannt und hat Mahlzeiten an renommierten Orten auf der ganzen Welt zubereitet, von der Performa 2013 in New York bis zu seinem Solo 2018 in der Monnaie de Paris. „Wenn ich kein Künstler geworden wäre, wäre ich Koch geworden“, sagt er.
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Unter den zahlreichen Möglichkeiten, die COVID-19 unser Leben verändert hat, hat das Virus auch unsere Beziehung zu Lebensmitteln verändert. Während wir Migranten beobachteten, die aus Mangel an angemessener Nahrung in ihre Dörfer zurückkehrten, füllten am anderen Ende Bilder von Sauerteigbrot und -nudeln in unseren Häusern die sozialen Medien. Manche wandten sich einer gesünderen Ernährung zu, andere perfektionierten Rezepte. In einer Zeit, in der regionale Küchen hyperglobal geworden sind, verband sich die Welt sowohl durch Essen als auch durch ihre Bilder. Während Gupta herzhafte Kommentare zu seinen Rezepten von One-Pot-Hammelcurry und vietnamesischem Pfannkuchen in den sozialen Medien sammelte, führte das Museum of Modern Art (MoMA), New York, im April 2020 die Reihe „Cooking with Artists“ ein -Die Künstlerin Anicka Yi bereitet Zitronennudeln mit Parmesan, Erbsen und frischen Kräutern zu und der Architekt-Künstler Hugh Hayden backt den perfekten Maisbrotpudding.
„Da wir ans Haus gefesselt und isoliert bleiben, ist Essen eine große Quelle des Trostes. Es verbindet uns und unsere Vorfahren miteinander und lässt uns auf eine Fülle von Familienrezepten und damit verbundenen Geschichten zurückgreifen. Im Laufe des letzten Jahres haben sich die Menschen immer wieder der einfachen Freude am Kochen oder Essen zugewandt“, sagt Kamini Sawhney, Direktor des in Bengaluru ansässigen Museum of Art & Fotografie. Eine laufende Online-Ausstellung des Museums zeigt die Verbindung zwischen Essen und Kunst anhand von über 15 Stücken aus seiner Sammlung. Jede Ausstellung hat einen begleitenden Text zur Hauptzutat und ein Rezept von einem Teammitglied, das Nostalgie, kulinarische Praktiken und ihre Liebe zur Kunst vereint. Eines davon ist ein Baumwollgewand aus dem 18. Wenn auf einer unbetitelten KG Subramanyan-Leinwand aus dem Jahr 1980 eine Frau einen Fischkorb inspiziert, hat Jogen Chowdhurys 1977 Tusche und Pastell Fruit-I die Paprika als Protagonist.
Chetra, Barahmasa-I-Serie, Madan Meena 2020, Siebdruck und natürliche Pigmente auf Papier. (Foto: Museum of Art & Photograph, Bengaluru)
Die Schnittmengen von Essen und Kunst sind Jahrhunderte alt, auch wenn letztere als Zeitregister gedient haben. Die Römer veranstalteten nicht nur große Bankette, sondern malten sie auch; während die Wände der ägyptischen Pyramiden Zeichnungen von Lebensmitteln für das Leben nach dem Tod des Verstorbenen aufweisen; Die Höhlenmalereien von Bhimbetka in Madhya Pradesh zeigen Jagdszenen und das Sammeln von Wildpflanzen als Nahrung. Im Mittelalter, als der Handel wuchs und neue Länder erobert wurden, symbolisierten Lebensmittelbilder Wohlstand in der westlichen Kunst. Der italienische Renaissance-Künstler Giuseppe Arcimboldo zum Beispiel malte Porträts, indem er exotische Früchte, Gemüse und Blumen zusammensetzte, und der flämische Künstler Joris van Son aus dem 17. Jahrhundert stellte dekorative Obstkörbe dar.
Die Tradition des Essens als Objekt im Stilleben setzte sich bis in die Neuzeit fort. The Potato Eaters (1885) des niederländischen Post-Impressionisten Vincent van Gogh, in dem Bauern eine bescheidene Mahlzeit aus Kartoffeln und Kaffee zu sich nehmen, steht in starkem Kontrast zu dem viel helleren Stillleben mit blauer Emaille-Kaffeekanne, Steingut und Obst (1888), inspiriert von seine Zeit in Paris. Der spanische Künstler Salvador Dali hingegen brachte den Surrealismus in sein Atelier und seine Küche, wie sein 1973 erschienenes Kochbuch Les Diners de Gala zeigt. Für einen Künstler, der bekanntermaßen sagte: „Meine Arbeit ist mein Tagebuch“, spiegelt sich der spanisch-französische Gaumen des kubistischen Meisters Pablo Picasso oft auch in seiner Palette wider – von einem Obstkorb in Fruit Bowl with Fruit (1918) bis zu einem köstlichen Hummer auf einer Platte in Le Homard (1945).
In Indien wandte sich Raja Ravi Varma, der Vater der modernen indischen Kunst, für seine von indischen mythologischen Gottheiten und Königen dominierten Darstellungen dem europäischen Realismus zu. Auch er malte einen Obstkorb in Öl, The Maharashtrian Lady. Die sinnlichere Frau mit einer Frucht hat eine junge Frau mit einer Zitrone in der Hand.
Es ist nicht nur die Anwesenheit, sondern auch die Abwesenheit von Nahrung, die die Aufmerksamkeit indischer Künstler auf sich zieht. Eines der bekanntesten frühen Gemälde von FN Souza ist Indian Family (1947), mit einer Familie, die mit leeren Schüsseln sitzt, während der Tisch im Inneren eine üppige Auswahl an Obst, Fisch und Wein bietet. Die Hungersnot in Bengalen der 1940er Jahre wurde in den Kunstwerken von Somnath Hore und Chittaprosad Bhattacharya für die Nachwelt dokumentiert. Letzterer produzierte in seinem Buch Hungry Bengal verstörende Skizzen der Unterernährten, deren Kopien von den Briten vernichtet wurden. In einer der Bildunterschriften schreibt Bhattacharya: „Die Dacoits trugen den halb gekochten Reis, die letzten beiden Messinggegenstände, die die unglücklichen Opfer noch hatten, und sogar die schmutzigen Lumpen, die sie bei sich trugen. Die Frau hatte zwei Tage lang nichts, womit sie sich zudecken konnte.“
Obwohl Essen ein Zeichen für Ungleichheit ist, kann es mit all seinen Assoziationen auch den kulturellen Austausch fördern. „Essen kann eine Methode sein, durch Genuss eine Gemeinschaft zu schaffen und dadurch einen Dreh- und Angelpunkt für Gespräche zu bilden“, sagt die 62-jährige Künstlerin Anita Dube und servierte es den Gästen als Andenken. „Es symbolisierte den gewalttätigen Blick“, sagt Dube. Als Kuratorin der Kochi Muziris Biennale 2018-19 hat sie mehrere Projekte rund ums Essen eingebunden. Die Köche Anumitra Ghosh Dastidar (Goa) und Prima Kurien (Neu-Delhi) erforschten unter dem Banner von Edible Archives indigene Reissorten Indiens, während der in Kochi lebende Künstler Vipin Dhanurdharan seine Gemeinschaftsküche im Aspinwall House hatte, wo die Besucher ermutigt wurden, sich vorzubereiten und zu servieren und Mahlzeiten teilen. Dhanurdharans Inspiration war ein Gemeinschaftsfest, das 1917 vom Sozialreformer Sahodaran Ayyappan in Cherai, Kerala, organisiert wurde, um der Unberührbarkeit entgegenzuwirken. „Die Küche war ein Ort, an dem alle gleich waren, ein Miniaturmodell einer utopischen Welt, die ich mir vorstelle und die jetzt dringend gebraucht wird“, sagt Dhanurdharan, 32.
Vipin Dhanurdharans Gemeinschaftsküche auf der Kochi Muziris Biennale 2018-19. (Foto: Swanoop John)
Die künstlerische Praxis des halb Dalit, halb englischen Künstlers Rajyashri Goody ist es, tiefer in die Auferlegung kultureller Hierarchien und Spaltungen durch Essenstraditionen einzutauchen. Seit 2017 sammelt sie Auszüge aus der Dalit-Literatur zum Thema Essen und stellt „Rezepte“ zu Heften zusammen. Es hat Autoren, die Hunger, den Prozess der Beschaffung von Zutaten und sogar die Erfahrung des Essens beschreiben. Manusmriti, das hinduistische Gesetzesbuch, das Interaktionen zwischen den Kasten verurteilt, ist ein Wirkstoff in Form von Papierbrei in Werken wie Joothan (2018) und Lal Bhaaji (2019).
Unterdessen unterstreicht die Serie „Caste and Food“ auf dem Instagram-Handle The Big Fat Bao die kastenbasierte kulinarische Dynamik. Die Illustrationen ergänzen den Text und zeigen, wie verschiedene traditionelle Dalit-Rezepte von Diskriminierung erzählen – von der Verwendung von Fleisch-, Ziegen-, Kuh-, Büffel- und Schafsblut, das für die Zubereitung von Rakti, der Hauptzutat des Gerichts Lakuti, verfestigt wurde, bis hin zum Verzehr von Hirse as eine günstigere Alternative zu Weizen. „Kaste, Geschlecht und Umwelt überschneiden sich ständig am Ort der Nahrung. Neben dem Konstrukt der Arbeitsteilung gibt es eine komplizierte Beziehung zwischen Nahrungsmittel- und Kastenökonomie“, heißt es in der Einleitung der Serie.
Das Persönliche wird politisch. In der Arbeit der Künstlerin Pushpamala N würdigt sie ihren Freund und Nachbarn, den Journalisten-Aktivisten Gauri Lankesh, der 2017 getötet wurde. Ihre Performance mit dem Titel Gauri Lankeshs Urgent Saaru bestand darin, Rasam nach einem von Lankesh geteilten Rezept zuzubereiten. Als Mutter Indien verkleidet – angeblich in Anlehnung an die Vorwürfe, Lankesh als „anti-national“ zu bezeichnen – servierte die in Bengaluru lebende Künstlerin dem Publikum in Gedenken an Rasam.
In jüngerer Zeit haben mehrere Kunstwerke auf die ausgeprägte Ironie der verschuldeten Bauern hingewiesen, die an Hunger sterben. „Wenn niemand Landwirtschaft betreibt, was werden dann alle essen“, fragt die in Paradsinga lebende Künstlerin Shweta Bhattad, 37. Sie arbeitet mit der eigentlichen Nahrungsquelle: Samen. In Samenbällchen verpackt, wird eine Sorte auf Bestellung in einer von Bhattad mit ihrem Team entworfenen Verpackung unter dem Label Gram Art Project versandt.
Eine Ausstellung von Jiten Thukral und Sumir Tagras Ausstellung „Farmer is a Wrestler“. (Foto: Thukral und Tagra Studio)
Im Mittelpunkt der Wanderausstellung „Farmer is a Wrestler“ (2019) des Künstlerduos Jiten Thukral und Sumir Tagra stand die anhaltende Agrarkrise. Zur Eröffnung entschied sich das Duo für eine schlichte Speisekarte mit Produkten aus Bajra. „Es schien am angemessensten, keine typische Eröffnung zu haben, die feierlich ist. Wir haben mit Gruppen zusammengearbeitet, die verlorene Rezepte der Regionen erforschen“, sagt Tagra. Das Duo hat Lebensmittel in seine Praxis integriert, um mehrere Probleme zu lösen, darunter den Aufbau von Verbindungen zwischen der Geschichte des Getreides und der Entwicklung der Gesellschaft in „Bread, Circuses & Du“ (2019).
Derzeit arbeiten sie an zwei Spielen, eines, das die überwältigenden Chancen von Frauen in der indischen Landwirtschaft thematisiert, und eines, das sich dem Klimawandel und der Ernährung widmet. „Wir müssen hinterfragen, was wir essen und wie sich der Klimawandel auf alle Gesellschaftsschichten auswirkt. Wie dringend ist es zu handeln? Woher kommt die nächste Mahlzeit?“ sagt Tagra.
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