Même lorsqu'il grandissait à Goa, au Portugal, il écorchait l'hypocrisie et la corruption dans ses peintures. Né dans une famille catholique romaine, Francis Newton Souza (1945-2002), frappé par la splendeur et la couleur de l'église, a également vilipendé les modes répressifs du clergé et ses pratiques. Ses premières peintures avaient des formes déformées qui faisaient ressortir les plaies de l'âme, pour ainsi dire, des classes sacerdotales et même de la religion elle-même. Loin des « Christs blonds d’opéra et des Vierges timides aux cheveux blonds » qu’il avait été encouragé à imiter étant enfant au collège jésuite de Bombay où il avait étudié avant d’être expulsé, Souza préférait les images fracturées et fragmentées qui révélaient le fonctionnement interne du soi.
À l'occasion du centenaire de la naissance de l'artiste, un grand nombre de ses œuvres que j'ai organisées – qui étaient exposées à la Lalit Kala Akademi et à la galerie Dhoomimal – révèlent l'honnêteté brutale avec laquelle l'artiste a affronté le mal, celui des siens et des autres. Comme il l'a déclaré : « C'est le serpent dans l'herbe qui est vraiment fascinant. Brillant, orné de joyaux, se tordant dans l'herbe verte… perfide comme Satan mais beau comme Lui. »
Si les peintures de Souza s’étaient limitées au clergé et au Christ, elles n’auraient eu qu’un effet limité. Mais il a impacté ces formes avec les traits faciaux grinçants des riches et des puissants et a révélé leur manipulation et leur corruption inhérentes. Il a eu l’occasion de les observer de près dans le Londres d’après-guerre, où il a vécu à partir de 1949. Dans des œuvres comme Six Gentlemen of Our Times (1955), par exemple, nous voyons les têtes puissantes de l’artiste réalisées avec de l’encre et du papier pour provoquer une secousse viscérale avec leurs traits malveillants, révélant le mal qui couve en dessous. C’est cette galerie de voyous qui a ouvertement dénoncé l’inhumanité de l’homme envers l’homme – non pas depuis les tranchées de la guerre mais aux portes mêmes de l’existence.
Souza a construit des visages grotesques, avec des yeux sans âme sur le front, des bouches grinçantes entièrement découvertes, le visage étant un terrain strié et rocheux délimité par des lignes et pétrifié par sa propre violence. On s’émerveille devant la simplicité des moyens par lesquels ce visage extraordinairement mobile est construit avec des traits hachurés adroits, comme des lances harponnantes. L'effet hérissé qu'il crée ainsi remplace les ombres et constitue, dans son rythme le plus effréné, la principale caractéristique de la forme. L'artiste a déclaré : « J'ai non seulement déshumanisé l'homme en deux lignes hachurées de chaque côté, mais j'ai également réduit le cosmos à un point. »
S’il a dénoncé la décadence des classes supérieures, il est tout à son honneur de ne pas s’être épargné. Un autoportrait de cette époque présente l’image de l’artiste percée de hachures, aux dents scintillantes et malveillantes. Ces visages macabres, qui suscitaient le dégoût, mettaient également à nu les couches souterraines de l’existence. Comme il l’a dit : « Les peintres de la Renaissance peignaient des hommes et des femmes en les faisant ressembler à des anges… » Je peins pour les anges, pour leur montrer à quoi ressemblent vraiment les hommes et les femmes. »
Souza a été sans équivoque quant à sa préférence pour les femmes. Il était souvent vilipendé pour ses femmes nues aux seins de plus en plus pendants. Cependant, son style de vie largement promiscuité démentait sa croyance dans la force et l’indépendance des femmes. Il estimait que les femmes étaient des êtres sexuels par nature et que cela avait été réprimé sous le régime colonial. Beaucoup de ses œuvres révèlent l'influence de l'art sublime et érotique de Khajuraho qui lui avait fait créer ses couples Mithuna où les hommes et les femmes sont intensément conscients l'un de l'autre et pleinement sexuels.
Les paysages de Souza ont toujours eu renverser des maisons très éloignées des études conventionnelles. Pourtant, ces structures apocalyptiques, pour ainsi dire déchirées, révélaient également le chaos environnant, non seulement dans un monde d'après-guerre, mais aussi de l'inhumanité de l'homme envers l'homme.
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Lorsque l'artiste s'installe à New York en 1967 avec sa femme américaine, qui était sa troisième partenaire, ne s'en sort pas très bien. La manifestation de formes grotesques est restée largement méconnue dans le style expressionniste abstrait qui a balayé le pays. Mais Souza était habitué à une existence terre-à-terre et continuait à travailler avec une énergie furieuse, et son travail d’écorchage des normes établies se poursuivait sans entrave. On ne peut donc que se réjouir de ses années passées à exposer les dessous de l’existence et de son désir inextinguible d’affronter franchement la vérité afin que les hommes et les femmes puissent mener une vie plus humaine.
L’écrivain est historien de l’art et conservateur indépendant basé à Delhi
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