Portret van Jagdish Swaminathan met de heer en mevrouw Jangarh Singh Shyam (Credit: Jyoti Bhatt, met dank aan Jyoti Bhatt Archive, Asia Art Archive)
Kunstenaar Venkat Raman Singh Shyam herinnert zich de ochtend duidelijk van 3 juli 2001, toen hij het nieuws ontving dat zijn oom en mentor Jangarh Singh Shyam niet meer was. Hij was aan het schildereneen hamsteraar in Bhopal en vond het moeilijk te geloven dat Jangarh met heimwee zelfmoord had gepleegd tijdens een verblijf van drie maanden in het Mithila Museum in Niigata in Japan. Dit was het derde bezoek van Jangarh aan het land. Hij leek geboeid te zijn door Japan en had zelfs zijn dochter Japani genoemd, maar hij was terughoudend geweest met deze reis.
“Hij had niet echt zin om te gaan. Hij was ook ontevreden toen de reis werd verlengd. Hij miste zijn familie en vrienden”, zegt Venkat.
De dood van Jangarh op 38-jarige leeftijd schokte de kunstwereld. Het was ook een persoonlijk verlies voor de jongere kunstenaars van zijn stam Pradhan Gonds die in zijn artistieke voetsporen was getreden.
https://images.indianexpress.com/2020/08/1×1.png 
Jangarh Singh Shyam’s Krishna Leela (2001), acryl en zeefdruk op canvas, zal te zien zijn op de India Art Fair 2022, van 28 april tot 1 mei. (Bron: Fabuleux Arts)
Tot die tijd zullen de meeste van zijn verwanten hadden Jangarh bijgestaan, toen hij de grotendeels mondelinge mythen en legendes van de stam wereldwijd bekend maakte door ze om te zetten in visuele verhalen.
Door middel van stippellijnen creëerde hij gekartelde patronen om de verhalen van hun goden en godinnen te vertellen en de golven en kronkels belichaamden bewegingen van de dieren die de diepe bossen bewoonden. Hij richtte eigenhandig een nieuwe schilderschool op: “Jangarh Kalam”.
In het jaar dat zijn 60e geboortedag en 20 jaar na zijn overlijden wordt gevierd, wordt Jangarh gevierd op de 13e editie van de India Art Fair die op 28 april in Delhi begint.
LEES OOK |Gramavrikshathile Kuyil is een opmerkelijke ode aan de Malayalam renaissance dichter Kumaran Asan
Het evenement zal een speciale sectie hebben gewijd aan zijn werken uit de privécollectie van de in Delhi gevestigde kunstverzamelaar Ajay Kumar Gupta. Verschillende stands zullen werken tonen van andere beoefenaars van Gond-kunst, inclusief die van zijn protégés. Daarnaast is er een tentoonstelling in de Ojas Art Gallery in Delhi met werken van kunstenaars Bhajju Shyam en Durgabai Vyam, naast hedendaagse kunstenaars zoals Ranbir Kaleka, GR Iranna en Jagannath Panda. Een andere parallelle tentoonstelling in het India Habitat Centre omvat werken van Jangarh uit de collectie van Niloufar en Mitchell Abdul Karim Crites, die hem al meer dan 15 jaar kenden, vanaf het moment dat Mitchell hem voor het eerst ontmoette in de Surajkund Mela in Haryana in 1987. “Als een van de eerste Gond-kunstenaars die acryl op canvas gebruikte, waren zijn onconventionele kleuren voor die tijd kenmerkend voor zijn stijl. Zijn tijd vooruit, had hij een eigentijdse kijk op wat een traditionele kunstvorm was', zegt Jaya Asokan, directeur van India Art Fair.
Hoewel Jangarh tijdens zijn leven bijval kreeg, is de Gond-kunst het afgelopen decennium tot bloei gekomen en heeft verschillende trajecten afgelegd, op canvas en daarbuiten. Terwijl stedelijke thema's nu alledaags zijn, zijn de repetitieve lijnen en minuscule stippen samengekomen om verschillende boeken te illustreren en kwamen ze ook huizen binnen in de vorm van muurschilderingen en alledaagse voorwerpen.
Venkat Raman Singh Shyam's Moeder Aarde. Verbonden met de natuur en natuurlijke elementen, beeldt Gond-kunst mens en natuur vaak af als één. Door de vijf elementen uit te beelden – waaronder vuur als zwart, lucht in groen, water in rood – benadrukt het werk hoe de aarde de gever is die voorziet. De dunne witte randen van het doek vertegenwoordigen de onsterfelijke ziel en de figuur van de jonge jongen waarin de elementen zijn geschilderd, verbeeldt hoe Moeder Aarde iedereen behandelt als haar kind dat zij voedt. (Bron: Venkat Raman Singh Shyam)
Geboren in Patangarh in Madhya Pradesh in een familie van Pradhans, de barden van de Gonds, werd Jangarh op jonge leeftijd gedwongen tot handenarbeid vanwege financiële dwang. Als fluitist speelde hij graag Ram in het dorp Ram leelas en schilderde hij muurschilderingen met natuurlijke pigmenten op korrelige muren die de dorpelingen vaak bewonderden. Het was toevallig dat rond dezelfde tijd dat kunstenaar J Swaminathan teams naar het interieur van Madhya Pradesh stuurde om talent te scouten, in de aanloop naar de opening van Bharat Bhavan, een multi-kunstcentrum in Bhopal in 1982. Tijdens een van die excursie nam kunstenaar Vivek Tembe zag Hanuman van de 17-jarige Jangarh in peeli mitti en vroeg hem om op papier te schilderen en nam de vellen mee naar Swaminathan, die hem uitnodigde om in Bhopal te komen werken. Hij leerde scherp en raakte al snel bedreven in acryl en de technieken van prentkunst. Hoewel zijn verhalen vaak gericht waren op inheemse tradities en folklore, werd de stedelijke omgeving ook omarmd en ingezogen en varieerde zijn palet van verven in levendige tinten tot lijntekeningen met zwarte inkt.
Hoewel zijn aangeboren talent aandacht en geldelijke waardering oogstte, leidde het ook tot wrok. In zijn boek Jangarh Singh Shyam: A Conjuror's Archive (2019, Mapin Publishing), schrijft kunsthistoricus Jyotindra Jain: “Hij (Jangarh) zei dat toen hij aanvankelijk werd aangesteld als bediende bij Bharat Bhavan, hij grof werd gevraagd door enkele van zijn moderne kunstcollega's om hen thee te schenken of lege kopjes en borden op te ruimen, vaak met de sarcastische opmerking dat 'je nu een groot kunstenaar bent geworden'.Jangarh vond deze beledigingen moeilijk te verdragen en klaagde vaak bij Swaminathan, die de directeur was. Uiteindelijk kreeg Jangarh de functie van 'kunstenaar' bij Bharat Bhavan, een speciale aanduiding die voor hem werd gecreëerd.”
Jangarhs werken reisden de wereld rond voor hem. In 1988 maakte de kunstenaar zijn eerste buitenlandse reis toen hij Japan bezocht voor de opening van de reizende tentoonstelling“Kunst van de Adivasis” in het Museum of Modern Art, Saitama. Volgend jaar was hij een van de vijf Indiase deelnemers aan de historische tentoonstelling “Magiciens de la Terre” in het Centre Pompidou in Parijs.
Bhajju Shyam's Mitrata (Vriendschap). Verschillende Gond-kunstwerken zijn gebaseerd op dierenverhalen. In het bovenstaande acryl en inkt op papier in heldere tinten, beeldt Bhajju Shyam de speciale relatie uit tussen een adelaar en een slang. Hoewel adelaars meestal slangen eten, volgens Gond-folklore op het moment van geboorte, beschermt een adelaar de slang en zijn eieren tegen roofdieren. Het verhaal geeft aan dat vijanden ook vrienden kunnen zijn in tijden van nood. (Bron: Ojas Art Gallery)
Maar zelfs toen de gestippelde patronen vooruitgang boekten in hedendaagse kunstruimten in het buitenland, merkte Jangarh dichter bij huis dat hij gevangen zat in de afbakening tussen de mainstream en het marginale. Weinig modernisten woonden zijn eerste solo bij in de Dhoomimal Gallery in Delhi in 1984 en zijn werk vond gewoonlijk plaats in ambachtelijke musea in plaats van in kunstgalerijen. Zelfs vandaag, hoewel hij wordt erkend als een gevestigde meester en zijn werken zich in prestigieuze internationale museumcollecties bevinden, waaronder het Londense Victoria & Albert Museum, de National Gallery of Modern Art (NGMA) in India bezit geen enkel werk van een Gond-kunstenaar. “We hebben volks- en tribale kunst gepromoot via andere initiatieven en hebben de afgelopen jaren contact gezocht met kunstenaars die het genre nastreven. Het is belangrijk om kunstenaars die inheemse kunstvormen nastreven hun verdienste te geven en we overwegen de aankoop van werken die we binnenkort in onze collectie hopen te hebben,” zegt Adwaita Gadanayak, directeur-generaal van NGMA.
LEES OOK |Herinneringen aan Sabiha Hashmi: de leraar, de mentor
De hoeksteen van Gond-kunst zijn misschien de mondelinge verhalen van de stam, maar door de jaren heen zijn er heruitvindingen geweest. In zijn korte carrière heeft de productieve Jangarh zelf een aanzienlijk oeuvre geproduceerd, waarbij hij experimenteerde met thema's en media, waaronder het illustreren voor een kinderpublicatie Chakmak en het illustreren van kaarten voor de Dastkari Haat Samiti. Veel groter dan zijn eigen werk, strekt zijn bijdrage zich uit tot de talrijke kunstenaars die hij heeft opgeleid om zijn idioom voort te zetten. Zijn atelier in Bhopal had te allen tijde leerlingen die hem hielpen bij het vullen van fijne patronen en het vervullen van zijn picturale visie. Bij de gigantische muurschilderingen die hij in 1996 voor architect Charles Correa ontwierp voor Vidhan Bhavan in Bhopal, was bijvoorbeeld een team van kunstenaars betrokken dat hij begeleidde. Sommigen van hen zijn nu prominente namen om rekening mee te houden, waaronder Ram Singh Urveti, Subhash Vyam en Bhajju Shyam. “Hij moedigde ons aan om een individuele expressietaal te ontwikkelen. Hij zou zeggen: Bhajju bano, Jangarh nahi', zegt Bhajju, 51. Hij werkte als nachtwaker toen Jangarh hem vroeg om voor hem te werken als zijn leerling voor Rs 600 per maand. Terwijl de Padma Shri-winnaar van 2018 zich voorbereidt op een solo in Kolkata's Aakriti Art Gallery in juli, herinnert hij zich zijn eerste verkoop door Jangarh toen hij in 1994 in Delhi vijf van zijn schilderijen voor Rs 1.200 verkocht. zijn werken, maar hij promootte altijd jonger talent”, zegt Bhajju. Hij capituleerde voor bekendheid met zijn publicatie The London Jungle Book uit 2004, waarin hij in een geïllustreerd reisverslag herinneringen aan zijn eerste buitenlandse reis naar Londen deelde. Het blijvende metaforische verhaal beeldde Londen af als een exotische jungle en de Big Ben als een gigantische haan.
De kunstvorm die Jangarh geboren heeft, vond ironisch genoeg een hernieuwd leven na zijn dood. Het tragische overlijden van de kunstenaar in verdachte omstandigheden weg van huis wekte nieuwsgierigheid naar zijn kunst. Maar ook binnen zijn gemeenschap merkt Venkat, 51, op hoe de artiesten die hij in de hand had, nu gedwongen werden om onafhankelijke wegen te verkennen en, in het proces, hun individuele talent te ontdekken. In het boek Finding My Way (2016, Juggernaut) schrijft hij: “Pas na de dood van Jangarh voelde ik de roeping om kunstenaar te worden.”
Durgabai Vyam's vuurvliegjes en koe. Op dit gedetailleerde canvas zien we hoe een vuurvlieg een oude dame helpt bevriend te raken met degenen die in de jungle wonen. Durgabai, dat de nadruk legt op vreedzaam samenleven en de noodzaak om hulpbronnen te sparen, heeft elementen over het hele doek, van hutten tot mensen die zich bezighouden met dagelijkse taken. De toeschouwers zijn vogels, apen, olifanten en andere leden van het dierenrijk. (Bron: Ojas Art Gallery)
Ondanks hun geërfde erfenis, heeft elke artiest in het genre zijn eigen vocabulaire ontwikkeld. “Ergens langs de lijn ontwikkelde elke kunstenaar een kenmerkende stijl op basis van hun individuele manier om patronen te creëren met stippen, streken en lijnen. De parallelle lijnen en lopende ketting van Bhajju Shyam en de chevron- of pijlpuntpatronen van Ram Singh werden bijvoorbeeld de kenmerken van het werk van deze twee kunstenaars”, schrijft Jain.
De winnaar van de Padma Shri-prijs van dit jaar, Durgabai Vyam, stelt dat opnieuw uitvinden cruciaal is voor aanhoudende interesse en groei. Hoewel ze haar moeder zou helpen bij het maken van de geometrische digna-patronen op de muren en de vloer, maakte ze kennis met acrylverf door haar neef Jangarh, na haar huwelijk met Subhash. “De mondelinge verhalen hebben ook verschillende versies en de individuele ervaring van elke kunstenaar weerspiegelt in hun werk,” zegt Durgabai, 49. Op de Kochi-Muziris Biënnale 2018/19 schilderden zij en Subhash "Dus Motin Kanya en Jal Devata" op houten wandpanelen, die verschillende gebeurtenissen uit het leven van een meisje met dezelfde naam vertellen. “Het was uitdagend maar bevredigend”, zegt de kunstenaar. Ze illustreerde ook tal van publicaties.
LEES OOK |‘Kunst ligt niet altijd in geweldige onderwerpen’: Atul Dodiya
Terwijl zij en Subhash in het boek Bhimayana (2011, Navayana) het levensverhaal van dr. BR Ambedkar illustreerden, illustreerde ze ook de feministische utopie Sultana's Dream (2018, Tara Books), van Begum Rokeya. “Boeken hebben veel meer detail nodig vanwege de schaal in vergelijking met een canvas, maar het bereik is veel groter”, voegt ze eraan toe.
Hoewel geen enkele Gond-artiest het record van Jangarh in 2010 van Rs 14,5 lakh op een Sotheby's-veiling heeft weten te overtreffen, heeft de categorie de afgelopen jaren een gestage prijsstijging doorgemaakt. “De vraag is toegenomen, evenals de prijzen. De verzamelaars zijn voornamelijk expats en in vergelijking met hun hedendaagse tegenhangers zijn de prijzen die Gond-kunstenaars halen relatief veel lager. We zien een toenemende belangstelling van Indiase instellingen”, zegt Anubhav Nath, directeur van Ojas Art Gallery. Hij toont al meer dan tien jaar inheemse kunst naast hedendaagse kunst in zijn galerie in Delhi.
Met populariteit komen ook de nadelen van de kunstmarkt. Bhajju wijst erop dat verschillende jongeren oudere kunstenaars zijn gaan kopiëren en reproducties tegen lagere prijzen verkopen. “Als mensen in de toekomst niet leren en oefenen, zal de kunst eronder lijden”, zegt Bhajju. Hij heeft workshops gegeven en lessen in de kunstvorm gevolgd. In Bhopal wemelt het, net als het huis van Jangarh, Durgabai en Shyam, van de jongeren en het duo heeft ook online lessen gevolgd tijdens Covid. “We willen dat onze volgende generatie meer kansen krijgt, om de wereld te vertellen over onze kunst en traditie”, zegt Durgabai.