Déjà une figure centrale de la fraternité artistique de Bombay, Francis Newton Souza avait gagné un public considérable en 1949, lorsque ses peintures furent présentées dans une exposition à l'Art Society of India. Plusieurs visiteurs se sont renseignés sur son travail mais tout le monde n'a pas été satisfait. En quelques jours, ses œuvres « obscènes », dont un autoportrait nu, ont été saisies. Accusé d'obscénité, son studio a été fouillé par la police à la recherche de matériel pornographique, le laissant à la fois furieux et dédaigné.
Habitué de la censure ou de la controverse, l’incident a réaffirmé la détermination de Souza à rechercher un public plus libéral. En juillet 1949, l'homme de 26 ans monta à bord du SS Canton et mit le cap sur Londres. « Je n'ai pas grand-chose à dire depuis dix jours que je suis ici ; mais j'ai appris que la vie à Londres est une denrée luxueuse à entretenir, et que des éléments comme l'eau ont besoin d'y consacrer quelques centimes, et que des produits de première nécessité comme les toilettes ont besoin d'y être investis. J'ai eu beaucoup de chance d'avoir mon bon ami /fort>(Ebrahim) Alkazi avec qui je pourrais partager mon logement, sinon je me retrouverais désespérément dans des difficultés financières. L’empressement est donc un handicap. J'ai appris mes amères leçons. Lui, qui n'espère jamais, ne peut jamais désespérer », a rappelé Souza dans une lettre aux autres membres du Progressive Artists' Group, datée du 17 août 1949 (publiée dans Geysers : Letters Between Sayed Haider Raza & his Artist-Friends ; The Raza Fondation). Cinq ans plus tard, lorsqu'il présenta son premier solo dans la ville – en 1955 à la Gallery One – l'exposition faisait salle comble. Il a reçu autant de succès que son essai autobiographique, Nirvana of a Maggot, publié dans le magazine Encounter la même année.
Souvent décrit comme l’enfant terrible de l’art indien, qui a défié les conventions sociales et artistiques et s’est efforcé d’innover, le pays a sans doute perdu l’un de ses modernistes les plus provocateurs avec son déménagement à Londres. Mais pour Souza, c’est un voyage vers l’inconnu qui lui a ouvert un nouveau monde. « C’était un homme qui ne se contentait pas de suivre les événements, mais quelqu’un qui guidait sa propre carrière, sa vie et sa réflexion. Il était très conscient de lui-même », se souvient son ami et artiste Krishen Khanna. Uday Jain, directeur de la Galerie Dhoomimalqui a marqué le centenaire de sa naissance le 12 avril de cette année avec une exposition intitulée « Reminiscing Souza : An Iconoclastic Vision : Celebrating The Birth Centenary Of Francis Newton » ajoute : « Son travail était différent de celui de ses pairs. Même lorsque la plupart des artistes, y compris lui, essayaient encore de trouver leur style, ses lignes et son utilisation de la couleur étaient tout aussi confiantes. »
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Portrait de FN Souza (1962), par l'artiste -photographe Jyoti Bhatt (Autorisation : Jyoti Bhatt et Asia Art Archive)
Ayant grandi dans le village idyllique de Saligao, au nord de Goa, Souza était un enfant lorsque son père, le professeur d'anglais José Victor Aniceto de Souza, est décédé, suivi du décès de sa sœur aînée. Aux prises avec des dettes, sa mère Lilia Maria Cecilia Antunes venait de déménager à Mumbai pour travailler comme couturière lorsque Souza fut atteinte d'une grave crise de variole. Alors que son rétablissement miraculeux a conduit à l'ajout du nom de François à son nom, en guise de gratitude envers le saint patron de Goa, saint François, sa mère a également décidé que son fils mènerait la vie d'un prêtre jésuite. Ce qu'elle ne savait pas, c'est à quel point Souza ne convenait pas, avec son tempérament débridéet des inclinations artistiques, seraient pour une telle vie. Elle l’a inscrit au lycée St Xavier mais il a été expulsé deux ans plus tard pour avoir dessiné des dessins pornographiques dans les toilettes. À 16 ans, il rejoint la Sir JJ School of Art, d'où il est également suspendu après avoir participé au mouvement Quit India. De retour chez lui, dans un accès de rage, il peint ce qui deviendra plus tard l'une de ses œuvres phares – La Dame bleue – un nu azur peint au couteau à palette. Parlant de sa déception face à l’éducation formelle, dans le catalogue de son exposition à la Bombay Art Society en 1948, Souza écrit : « J’ai suivi une formation artistique avortée. Les professeurs étaient incompétents… Shelley a été expulsé une fois, Van Gogh a été expulsé une fois… J'ai été expulsé deux fois. Les garçons récalcitrants comme moi ont dû être licenciés par les directeurs et les directeurs des établissements d'enseignement qui craignaient instinctivement que nous renversions leurs charrettes à pommes. »
Bientôt, cependant, il devait trouver sa clique dans la ville animée de Bombay, parmi des artistes, des écrivains et des poètes fébrilement engagés dans la découverte d’une esthétique moderniste d’avant-garde pour l’Inde indépendante. L’ambition individuelle a trouvé un sens collectif sous l’égide du Progressive Artists’ Group, né quelques mois après que l’Inde ait accédé à la liberté. Avec Souza comme secrétaire, le groupe disparate comprenait les membres fondateurs SH Raza, HA Gade, KH Ara, Sadanand Bakre et MF Husain. « Nous nous sommes réunis grâce à de mystérieuses réactions chimiques. Nous parlerions toute la nuit. Nous avions l'habitude d'aller nous asseoir à Backbay et de parler et de parler… sur ce que devrait être l'art et comment il devrait être pratiqué. Sans voir aucun modèle d’art… sans le faire, nous l'avons d'abord formulé dans le discours », a déclaré Souza dans le magazine The Patriot en 1984.
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Alors que chacun des artistes semblait avoir intégré de nouvelles connaissances dans son travail, le changement chez Souza incluait la disparition de ses tendances communistes et la proéminence des lignes et des coups de pinceau forts. Au début des années 40 et 50, certaines des diverses influences qui ont façonné son art avaient commencé à faire surface, depuis les bronzes du sud de l'Inde et les sculptures des temples de Khajuraho jusqu'au modernisme européen.. Les paysages qu'il avait admirés dans son Goa natal avaient pris la forme d'horizons luxuriants sur ses toiles, tout comme la culture visuelle de l'Église catholique et les histoires de saints torturés racontées par sa grand-mère qui faisaient surface sous forme d'iconographies religieuses. Les figures déformées et les têtes grotesques devaient rester une partie éternelle de son œuvre à travers les médiums et les métaphores.
Sans titre de Souza (1992) (Autorisation : Dhoomimal Gallery)
Les premières années en Europe ont été pleines d’inquiétudes. Dans un pays qui se remet encore des ravages de la Seconde Guerre mondiale, Maria, l’épouse de Souza, était au départ le soutien de famille. Il se familiarise avec l'art occidental à travers les musées et les galeries où il découvre des œuvres de Rembrandt, du Caravage et de Pablo Picasso. Bien que des revenus occasionnels proviennent d'écrits et de commandes, y compris des peintures murales pour le Bureau des étudiants indiens sur West Cromwell Road en 1950 par l'intermédiaire du haut-commissaire indien VK Krishna Menon, ce n'est qu'avec son premier solo en 1955 qu'il commença à être reconnu. Les quatre années d'allocation mensuelle régulière du collectionneur américain Harold Kovner, à partir de 1956, assuraient la subsistance. La décennie suivante le voit produire certaines de ses œuvres les plus vénérées, notamment les peintures monochromes « Black on Black » et la collection d’écrits et de dessins de 1959, Words & Des lignes qui lui ont valu le respect dans les cercles littéraires. La toile Naissance de 1955 – avec un nu enceinte, le moi dans une tunique de prêtre et le paysage urbain – a établi un record mondial en 2008 pour la peinture indienne la plus chère jamais vendue, au prix de 2,5 millions de dollars. En 2015, Birth a été revendu pour 4,8 millions de dollars.
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Alors même que Souza et son art parcouraient le monde – notamment en représentant la Grande-Bretagne au Guggenheim International Award en 1958 et l’Italie en 1960 grâce à une bourse – sa vie domestique était bouleversée. Il est devenu alcoolique à un point tel que cela a commencé à nuire à sa capacité de travailler, mais il a finalement décidé de demander de l'aide en 1960. Il a également eu une liaison mouvementée avec l'actrice juive Liselotte Kristian, avec qui il a eu trois filles. Lorsque cette relation a pris fin, il a épousé Barbara Zinkant, une Anglo-Américaine de 17 ans. Le couple voyage en Inde et après leur retour, s'installe à New York en 1967. Émulant son état d'esprit, ses visites dans la campagne californienne conduisent à des paysages joyeux aux teintes exubérantes. Ses expériences au cours de cette période comprenaient des « peintures chimiques » qui consistaient à peindre ou à dessiner sur des pages déchirées de magazines, de catalogues et de photographies imprimées en utilisant des produits chimiques pour dissoudre l’encre de l’imprimeur. “C'était également un excellent écrivain et un lecteur vorace d'histoire de l'art, de poésie et de philosophie, ce qui se reflète dans son travail”, déclare RN Singh, fondateur de la Progressive Art Gallery.. Il estime que l'artiste a été plutôt mal compris comme impétueux et égocentrique : « Il était peut-être imprévisible, mais il était aussi très généreux… » Ses œuvres étaient souvent personnelles et influencées par ses expériences de vie. Par exemple, ses nus féminins sensuels peuvent être considérés comme trop explicites, mais ils représentent à la fois son amour pour la forme féminine ainsi que ses propres relations fracturées et ses multiples liaisons. C'était aussi un peu sa rébellion contre les standards conventionnels de la beauté, pour guérir son complexe de cicatrices de variole sur son visage qui le rebutait les femmes. »
Khanna rappelle à quel point l'incorrigible Souza était également très exigeant dans ses relations. Il se souvient d'une visite à Londres où il souhaitait acheter un Souza nu mais n'avait pas le prix demandé de Rs 1 600. « J'ai demandé s'il ferait un ajustement pour moi sur le prix, mais il a juste souri et a dit qu'à Rs. 1600, ce serait mon privilège d’en être propriétaire », partage Khanna. En tant qu’amis, ils se critiquaient souvent. « J’avais un jour écrit de manière anonyme un article s’opposant à quelque chose qu’il avait écrit. J'avais dit qu'il s'aimait un peu trop, ce qui peut être dangereux pour n'importe quel écrivain, peintre ou musicien. Il l'a lu et a ri. Il pensait que (l'avocat et connaisseur d'art) Karl Khandalavala l'avait écrit, mais quand je lui ai dit que c'était moi, il a ri et ri. Il ne pensait pas que si je n’étais pas critique d’art en soi, je ne pourrais pas avoir d’idées critiques. »
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Malgré sa renommée mondiale, peu d’expositions de ses œuvres ont eu lieu en Inde jusqu’au début du siècle. « Une grande partie du marché indien n’a remarqué Souza qu’après que le marché des enchères soit devenu fort. Aussi, contrairement aux acheteurs internationaux, qui vénéraient ses nus et ses œuvres figuratives, le marché indien était ou est plus friand de paysages. Ses têtes diaboliques restent les œuvres les plus universellement appréciées », partage Jain. Il ajoute : « Mon père, Ravi Jain, a organisé la première exposition de Souza à Dhoomimal en 1965 et n'a vendu qu'une seule œuvre. Lorsque Souza lui a demandé pourquoi, puisqu'il était déjà considéré comme un artiste important en Europe, aux côtés de Francis Bacon et Pablo Picasso— mon père a dit que l'Inde mettrait du temps à reconnaître votre génie. Lorsque nous avons eu une autre exposition de ses œuvres des années 40 en 1975, elle a réuni le Premier ministre de l'époque, Indira Gandhi, ainsi que d'importants collectionneurs, dont Masanori Fukuoka et Ebrahim Alkazi. Lorsque nous avons montré son travail au Kala Mela en 1986, il a même peint en direct et a connu un énorme succès auprès des étudiants qui se sont rassemblés pour prendre ses autographes. »
Peignant avec une liberté absolue, l’art de Souza reste à la fois déroutant et saisissant, tout comme sa propre rébellion. Étranger invétéré, il avait peu d'amis avec lui lorsqu'il est décédé à Mumbai en 2002. Salué à titre posthume pour son modernisme par la Grande-Bretagne et l'Inde, Khanna note à quel point Souza croyait sincèrement qu'il était censé être un artiste. « Il n’a jamais dit : « Je suis un grand peintre », mais il l’était et se comportait comme ça. Il a créé une certaine norme pour la peinture et s'est tenu à ce qu'il a fait », ajoute Khanna.
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