“COVID-19 a réaffirmé l'importance d'y aller doucement et de réfléchir sur les choses… mes couleurs sont devenues plus pures. Je me concentre davantage sur l'expression », dit Paresh Maity.
Votre exposition à la galerie CIMA de Kolkata, “Noise of Many Waters”, capture votre fascination pour l'eau, à la fois en tant que sujet et médium (aquarelle). Pourriez-vous en parler ?
L'eau est source de vie. J'ai grandi dans le village de Tamluk au Bengale occidental, entouré de canaux et de rivières. Il est difficile de m'éloigner de l'eau, c'est mon cœur et mon âme. La nature est la source ultime de mon art. Quand je vois quelque chose, je visualise son reflet sur l'eau, les couleurs changent à chaque instant. Depuis le tout début, je peins à l'eau, et le médium, lui aussi, est principalement l'aquarelle. C'est un médium difficile et vous ne pouvez pas vraiment changer grand-chose si vous vacillez. Soit vous réussissez, soit vous échouez, c'est pourquoi très peu d'artistes travaillent avec.
À sept ans, vous aviez décidé de devenir artiste et, plus tard, vous avez parcouru des kilomètres pour poursuivre ce rêve. Pourriez-vous partager ce voyage ?
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Enfant, j'étais très inspiré par l'art miniature et tribal et l'argile la modélisation. Je me souviens avoir fait ma première peinture à l'âge de sept ans. J'ai arraché un morceau de papier de mon cahier et j'ai fait un paysage.
Les collègues de mon père ont insisté pour que je fasse passer des examens d'entrée communs en médecine et en ingénierie, mais je voulais étudier l'art. Alors, je me suis enfui à Delhi, et c'est à ce moment-là que ma famille a accepté de me laisser entrer au Government College of Art and Craft, Kolkata. Pendant six ans, j'ai voyagé pendant quatre heures et 200 km dans chaque sens pour rejoindre mon collège depuis Tamluk, car je n'avais pas l'argent pour rester à Calcutta.
Vos paysages transformés pour inclure plus de chiffres et la palette de couleurs est devenue plus lumineuse après votre arrivée à Delhi, pour votre diplôme de fin d'études au College of Art. Qu'est-ce qui a provoqué ce changement ?
En 1990, j'ai voyagé au Rajasthan et c'était l'ouverture d'un nouveau monde pour moi. Les paysages et les couleurs du désert ont influencé mon style et les personnages que j'ai vus ont commencé à entrer dans mon travail. En fait, le Bengale et le Rajasthan partagent une longue histoire et cela se reflète dans les peintures de la cour du Rajasthan et les havelis.
‘Après la pluie’ (1995), aquarelle sur papier
Au fil des ans, partout où j'ai voyagé, j'ai essayé d'explorer et d'introduire différents éléments du lieu dans mon travail. J'étudie l'histoire, la culture et l'énergie de chaque ville. Je peins même lorsque je voyage, mes matériaux m'accompagnent partout — de Calcutta à Varanasi en passant par Venise.
Des motifs comme les fourmis (Procession, 2010) et les cloches reviennent dans votre travail. Certains d'entre eux se reflètent dans les installations de votre solo en cours “Cast”, présenté par Gallery Art Exposure. Quelle est leur signification ?
Les souvenirs de mon enfance sont restés en moi et se reflètent également dans mon travail. A Tamluk, j'ai vu des fourmis partout. J'admirais la discipline avec laquelle ils se déplaceraient en ligne. Il y a quelques années, quand j'ai vu une moto Royal Enfield, j'ai senti que je voulais faire quelque chose avec. J'ai trouvé plus de 100 vélos, je les ai démontés et j'ai créé une immense installation, Procession, avec des fourmis qui rampent partout. L'exposition en cours à la Birla Academy of Art and Culture, Kolkata, a une installation intitulée Motion, où j'ai utilisé du matériel indésirable, y compris des vélos Royal Enfield
et des ventilateurs de plafond, pour concevoir des sauterelles.
L'exposition comprend également une installation intitulée Power, où des centaines de cloches se réunissent pour former un taureau. Ces cloches remontent aussi à mon enfance, je les voyais dans les temples et autour du cou des animaux. Une autre installation, Birth of the Golden Egg (2018), avait des cages en métal antiques que j'ai vues au Rajasthan. J'ai été incité à créer quelque chose car ils me rappelaient les poules que nous avions quand j'étais jeune. Quand ils donnaient des œufs, je les vendais et utilisais l'argent pour acheter du matériel d'art, fabriquer des jouets et les vendre dans le village.
Vous avez travaillé avec une gamme de médiums (de l'aquarelle à l'acrylique ) et des formes (installations, photographie, films). Dans quelle mesure est-il important d'expérimenter ?
En tant qu'artiste, il est extrêmement important d'explorer. J'aime expérimenter et transformer ; qui pose des défis et permet de fantasmer. J'ai fait deux courts métrages jusqu'à présent et je travaille sur d'autres. The Magic of Monsoons: Montage, Moments, Memories (2011) a capturé les sons naturels autour de la mousson à travers l'Inde – de Kolkata, Goa, à Mumbai et Kanyakumari. The Mystic Melody: A Day in the Golden Desert (2010) a été tourné au Rajasthan. Ces films sont liés à mon art, je suis allé dans ces lieux des centaines de fois. L'intention est d'apporter la richesse des lieux, le mysticisme, dans les œuvres. Actuellement, je travaille sur un film sur Varanasi, sur les images et les sons de la ville, ce que vous observez depuis l'eau.
‘Le pouvoir’ (2018), sculpture en laiton et cuivre
Votre peinture monumentale de 7̠ pieds Indian Odyssey se trouve à l'aéroport international Indira Gandhi de New Delhi. À quel point est-il important d'atteindre les masses avec l'art ?
Il est très important d'avoir de l'art public. Regardez les peintures rupestres de la préhistoire. En Inde, nous travaillons progressivement vers l'éducation artistique. Indian Odyssey est l'un des tableaux les plus longs du monde. Il m'a fallu presque un an pour peindre, et dès le début, je savais que je voulais qu'il représente différentes facettes de l'Inde, de sa diversité à sa couleur, sa richesse, sa beauté et ses différents états.
Comment avez-vous réagi lorsque, plus tôt cette année, votre portrait de Subhas Chandra Bose a été comparé à l'acteur bengali Prosenjit Chatterjee, qui incarne Bose dans le biopic Gumnaami de 2019.
Je ne me dérange pas par tout cela, ou bien je ne pourrai pas peindre. Le portrait vient de la famille et je sais ce que j'ai fait. J'ai grandi en l'écoutant et en l'admirant. Pour moi, Bose était un grand héros à peindre.
Pourquoi travaillez-vous uniquement pendant la journée ? Le COVID-19 a-t-il modifié votre façon de travailler ?
La lumière joue un rôle essentiel dans ma peinture. Comprendre la lumière est important et je peins toujours à côté de la source de lumière car cela m'aide à analyser l'intensité d'une couleur. Pour moi, COVID a réaffirmé l’importance de ralentir et de réfléchir aux choses. Je sens aussi que mes couleurs sont devenues plus pures. Je me concentre davantage sur l'expression.
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