Hvordan S H Razas solo i Dubai representerer hans enorme oeuvre

DET ER LANDET som ble hjemsted for hans livslange venn MF Husain da han forlot India for å reise i et selvpålagt eksil i 2006. Selv om SH Raza aldri besøkte Husain i Dubai eller UAE, er det nå en betydelig utstilling av verkene hans som holdes i skyskrapernes by, betyr et serendipitalt møte mellom de to avdøde kunstnerne.

Blant de få soloene til Raza som skal holdes i Dubai, er showet ”Raza: The Other Modern” ved Progressive Art Gallery representerer modernistens enorme oeuvre gjennom utvalgte verk som spenner fra hans dager som student på 1930-tallet til et av hans aller siste lerreter — Swasti (2016), med veteranens feirede bindu i sentrum.

Han forlenger også hundreårsfeiringen av fødselen — som inkluderte hans første monografiske utstilling i Frankrike på det prestisjetunge Centre Pompidou i Paris fra februar til mai 2023 — Ashok Vajpeyi, Managing Trustee for The Raza Foundation, bemerker at utstillingen i Dubai tar frem det parisiske utstillingsvinduet. “Pompidou-showet stoppet på slutten av århundret, men her kombinerer vi de tidligere verkene med de siste tiårene for å gi et uttrykk for den fortsatte kreativiteten, og viser også den betydelige siste fasen som ennå ikke har mottatt tilstrekkelig oppmerksomhet… Da han var med børsten, hadde han full kommando til sitt siste,” sier han.

Annonse

Gå inn i roen i galleriet som ligger noen kvartaler fra det travle City Walk-området i Dubai på den fredelige Al Wasl Road — med praktfull utsikt over landemerket Burj Khalifa gjennom glassvinduene — seerne ønskes velkommen med en detaljert tidslinje, som introduserer dem til kunsten, livet og tidene til modernisten som fortsatt er en av Indias mest betydningsfulle kunstnere. “Det er en del av vår innsats for å informere publikum om hans varierte påvirkninger og inspirasjoner,” sier RN Singh, grunnlegger av galleriet. På utstillingen av Raza i Dubai, legger han til at showet dominert av gallerisamlingen var planlagt over flere år for å inkludere verk fra ulike perioder.

Utstillingen åpner ikke direkte for hans varemerke bindus, men en mer kronologisk tilnærming følges etter hvert som seerne blir guidet gjennom årene som førte til den. Kjent for å være en mesterkolorist, blant de mer sjeldent sett verkene er Razas skisser som Vajpeyi sier ble oppdaget av The Raza Foundation etter hans død i 2016. De diaristiske skildringene spenner fra den bukoliske oksevognen til livsstudier, abstrakte landskap og uendelige konsentriske sirkler. Vajpeyi bemerker: «I motsetning til FN Souza eller Krishen Khanna, forfulgte Raza egentlig ikke tegninger som et autonomt medium, men disse var mer i form av tanker han følte var viktige å skrive ned. Mange av dem resulterte ikke nødvendigvis i malerier.”

xxxxxx

Sønn av en skogoffiser i Mandla-distriktet i Madhya Pradesh, som vokste opp i nærheten av stillheten i Kanha nasjonalpark og Narmada-elven, som en ung gutt begynte Razas engasjement med kunst etter ordre fra kunstlæreren hans i Damoh, som la merke til talentet hans og ba ham om å illustrere et håndskrevet blad, Pushpanjali. Det var også etter hans forslag at Raza meldte seg på formell opplæring i kunst ved Nagpur School of Art på slutten av ’30-tallet. Representerer perioden i utstillingen, hvis et blyantportrett av en mann fra 1941 tilhører årene da han fortsatt var student i Nagpur, refererer In a Forest til barndommen hans. Den gjennomskinnelige akvarellen Gol Gumbaz fra 1943, malt i bleke nyanser, beviser hans dyktighet med penselen og også hans evne til å spille mellom lys og form selv under hans tidlige kunstneriske karriere.

Bombay på 1940-tallet åpnet en ny verden for ham. Raza jobbet som designer ved Express Block Studio, og meldte seg på kurs ved Sir JJ School of Art, og ble introdusert for trendene innen europeisk kunst av slike som den tyske kunstkritikeren Rudolf von Leyden og den østerrikske maleren Walter Langhammer. Ved å velge å bli i India da familien flyttet til Pakistan ved Partition, skulle moderlandet bli en integrert del av kunsten hans. Det var også den felles hensikten med å finne et distinkt moderne vokabular for indisk kunst som førte til dannelsen av de formidable Progressive Artists’ Gruppe i 1947, med Razasom et av dets seks grunnleggende medlemmer. I en bok som følger med utstillingen, finner vi malerier som representerer hans første inntrykk av den urbane metropolen, hvor han ofte vandret rundt i de befolkede nabolagene for å male bylandskap som motiv. Blant annet er en utsikt fra 1945 av Princess Street, som også var adressen til daværende Chemould Frames og hvor Kekoo Gandhy berømt tillot kunstnere å også stille ut verkene sine.

Annonse Swasti, en av Razas aller siste lerreter har den berømte binduen på sin plass senter (Kreditt: Raza Foundation)

Da Raza dro til Paris i 1950 på et fransk regjeringsstipend for å studere ved École Nationale Supérieure de Beaux-Arts, 28 år gammel, bar han India med seg. Selv om han fortsatte å bo der i nesten seks tiår, etter at han giftet seg med den franske kunstneren Janine Mongillat, beholdt han sin indiske nasjonalitet, og valgte å returnere til Delhi i 2010. “Han pleide å si hvordan å male han lærte fra Frankrike og hva han skal male lærte han fra India,” opplyser Vajpeyi. Han besøkte museene og kunstgalleriene, og gjorde seg kjent med verker av vestlige mestere, inkludert Paul Cezanne og Oskar Kokoschka. “Det var så mye jeg ville lære,” hadde han sagt i et intervju i 2015 til The Indian Express. Selv om hans impresjonistiske landskap allerede var på vei mot abstraksjon, ble de lyriske penselstrøkene mer flytende og paletten mer levende i Paris. Han begynte også å jobbe oftere med medier som olje og senere akryl. Landsbyen fra 1956, for eksempel, har silhuetter av hjem på den franske landsbygda fremhevet med deler av oransje jord.

Mens han fortsatte å motta kritikerroste og kommersiell suksess, trakk søken etter å finne nye retninger ham stadig til røttene, og på ’70-tallet fant han et svar i prikken som grunnskolelæreren hans i Mandla hadde trukket på en tavle for å demme opp for rastløsheten hans. I form av en bindu ble det sentrum av universet hans som han beskrev som kilden til energi og liv. Opprinnelig dukket det opp som den svarte solen i verk fra slutten av 60-tallet, ledemotivet ble mer fremtredende på ’70-tallet og fortsatte å finne forskjellige betydninger og former i løpet av tiårene. “Som folk gjør Ram jap, gjør jeg det samme med bindu, og går dypere inn i emnet,” sa han i 2015-intervjuet.

Les også | På 75-årsjubileet til Progressive Artists’ Group, og husker deres avgjørende rolle i å forme indisk kunst

I Dubai nå, betegner den eteriske prikken de grenseløse kontemplasjonene til skaperen. Den deler forresten galleriet med Husains hester skulpturert i Murano-glass som kan ses i en glassinnhegning.

Flere Premium-historier