Portrait d'un artiste : vie et époque de Jyoti Bhatt

L'artiste Jyoti Bhatt n'avait que 12 ans lorsqu'une de ses premières peintures annonçait la direction que prendrait sa vaste carrière artistique. Intitulée « Chheta R'ejo Maa Baap » (Veuillez garder vos distances monsieur), l'aquarelle représentait un Dalit portant des excréments humains sur la tête et un balai à la main, marchant dans la rue en criant, pour que les castes supérieures soient informées de son arrivée. et gardèrent leurs distances. Exposée dans son école de Bhavnagar, elle a suscité des plaintes de la part des parents, mais le professeur d'art de Bhatt, Jagubhai Shah, leur a dit que les artistes devaient jouir de la liberté d'expression. « J'ai été exposé au système des castes et j'ai développé une aversion pour celui-ci parce que j'étais inspiré par la façon de penser et de se comporter de mon père (combattant de la liberté et éducateur) », explique Bhatt, ajoutant : « C'était en 1946, lorsque Gandhiji était compris. meilleur qu'il ne l'est aujourd'hui. »

Des années plus tard, il continue de transmettre ces leçons au flot constant de jeunes artistes qui se présentent chez lui à Vadodara. À moins de cinq kilomètres de la Faculté des Beaux-Arts(FoFA) à l'Université Maharaja Sayajirao (MSU), où il a passé des décennies – d'abord en tant qu'étudiant, puis en tant qu'enseignant – Bhatt est reconnaissant de leur soutien. « J'ai la chance qu'il y ait un grand nombre de jeunes artistes à Baroda qui continuent de me rendre visite, principalement pour m'aider à résoudre mes problèmes techniques, que je ne peux pas résoudre moi-même en raison de mon état de santé », note l'artiste-éducateur. Plusieurs d'entre eux ont également prévu une célébration le 12 mars, lorsque l'artiste célèbre aura 90 ans.

A Photographe pionnierqui a documenté les traditions indigènes de l'Inde rurale et est reconnu pour ses engagements modernistes dans la gravure, lauréat du prix Padma Shri 2019 – dont les œuvres font partie de collections prestigieuses, notamment celles du Museum of Modern Art de New York, de la Smithsonian Institution de Washington DC et du British Museum. à Londres — présente également un solo de ses peintures après 60 ans à la Vadehra Art Gallery de Delhi. Intitulée « Revisitations : Engaging the Archive », l’exposition se terminera le 14 mars. Comprenant plus de 80 œuvres, s'étalant sur plus de deux décennies, les peintures inversées réalisées à l'acrylique sur film plastique présentent ses recherches sur l'iconographie, le portrait, la vie rurale, les natures mortes et le monde naturel. « J’appelle cela ma « période d’or ». J'ai utilisé de la peinture dorée dans la plupart de ces peintures actuelles”, dit-il.

Publicité Shakuntala de Jyoti Bhatt (Source : Vadehra Art Gallery)

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Né en 1934 dans une Inde en lutte pour l'indépendance, Bhatta hérité de son père, Manshankar Bhatt, le désir de voir une nation sur la voie du progrès. Remarquant sa passion pour le dessin et la peinture lorsqu'il était enfant, ses professeurs à Gharshala l'ont formé et il a trouvé des mentors auprès d'artistes tels que Somalal Shah et Jagubhai. Fervent lecteur du magazine littéraire gujarati Kumar de l'artiste et écrivain Ravishankar Raval, il a étudié les œuvres de nombreux artistes, dont les fidèles NS Bendre et KG Subramanyan, qui allaient devenir ses professeurs à MSU lorsqu'il s'y est inscrit dans le cadre du premier groupe d'étudiants. en 1950. « Tous ces professeurs se considéraient comme nos parents… » Même si notre programme n'était pas très différent de celui suivi par d'autres écoles d'art, à l'exception de Santiniketan, l'importance était accordée à l'expérimentation et à la créativité. En dehors de cela, une importance égale a été accordée à l’apprentissage extrascolaire. Nous avons eu la chance qu'un vaste jardin public, comprenant un zoo et un grand musée, se trouve juste de l'autre côté de la route et nous avons été encouragés à y passer le plus de temps possible », se souvient Bhatt. Avec des étudiants de tout le pays, FoFA était un creuset où les jeunes artistes étaient encouragés à développer une esthétique individuelle. Bhatt se souvient de ses propres expériences avec le fusain, les pastels, les couleurs à l'huile et l'aquarelle. En assistant Subramanyan sur une peinture murale, il a appris la technique de l'encaustique, où la cire d'abeille était mélangée à des ingrédients tels que la résine et la térébenthine pour produire un matériau incolore et translucide qui pouvait être mélangé avec des couleurs à l'huile plus chères en comparaison.

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Au moment où il se rendit à Naples en 1961-62 pour étudier à l'Accademia Di Belle Arti grâce à une bourse du gouvernement italien, il était déjà un membre du corps professoral de MSU et artiste réputé, qui avait reçu une formation formelle en peinture murale et fresque à Banasthali Vidyapith au Rajasthan. Il avait remporté la Plaque d'Or du Président en 1956 à l'Exposition Nationale d'Art de Delhi.

Dans une Europe en reconstruction au lendemain de la Seconde Guerre mondiale, Bhatt était captivé par son art et son architecture, ainsi que par les toiles très texturées et superposées d'artistes tels qu'Antoni Tàpies et Alberto Burri. C'est également là qu'il réalise sa première eau-forte et une taille-douce à partir d'une planche collagraphique. Alors que de nouveaux matériaux comme le sable, la toile de jute, les pièces de fer, les feuilles de laiton, le contreplaqué, les rubans, les galets de pierre et le linoléum entrèrent dans son vocabulaire, il réalisa des œuvres telles que Burnt Place (1962), utilisant de l'huile, du sable et des morceaux de fer pour surélever la surface, et brûlé la surface du jute pour créer des trous. Plusieurs de ses amis se souviennent qu'à son retour en Inde, il avait emporté d'énormes quantités de colle blanche qu'il avait trouvée utile ; Je ne savais pas que le Fevicol similaire était désormais disponible sur le marché intérieur.

Reconnu plus tard pour avoir introduit les subtilités du processus de taille-douce à plusieurs de ses contemporains, il restait encore du temps avant que Bhatt puisse créer une gravure à MSU, où la presse à graver devait être réparée. “Une partie de la presse ayant été endommagée pendant le transport, nous n'avons pas pu l'utiliser pendant 16 ans, jusqu'en 1966, à cause de règles bureaucratiques”, se souvient Bhatt. Bien qu'un cours de troisième cycle en gravure ait été introduit à l'institut en 1968 et que des artistes tels que Jeram Patel et Bhupen Khakar aient également commencé à réaliser des gravures, trouver les bons outils, l'encre et le papier restait un défi. L’expertise de Bhatt dans ce médium s’est cependant perfectionnée au cours d’une bourse Fulbright de deux ans pour étudier la gravure au Pratt Institute et au Pratt Graphic Art Center de New York (1964-66). Cette période le voit produire des intailles mixtes telles que le paysage métaphysique abstrait (1964/68) et le monument oublié (1964/68). Des références textuelles sont entrées dans des œuvres telles que A Face (1972) et Pseudo Tantric Self Portrait (1969). Dans Kalpavruksha (1972), les sourcils de la femme prenaient la forme d’un dhanushya (arc) et faisaient partie d’un arbre mythique. Le soi est également apparu dans des œuvres telles que Self Portrait in New York (1964) et Man Under the Sky (1965).

Les corbeaux partout sont noirs de Jyoti Bhatt (Source : Vadehra Art Gallery)

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Alors que l'image et les possibilités de ses innombrables significations restent au cœur de son œuvre, quel que soit le médium qu'il utilise, une exposition itinérante de 1957 organisée par le photographe américano-luxembourgeois Edward Steichen et présentée à Ahmedabad par le MoMA le convainc du pouvoir communicatif de la photographie. Lorsqu'un séminaire sur l'art populaire gujarati à Bharatiya Vidya Bhavan à Mumbai fut annoncé en 1967, armé d'un appareil photo analogique Canon SLR et accompagné de ses amis artistes Gulammohammed Sheikh et Khakhar, Bhatt entreprit de documenter la culture visuelle du Gujarat. , traversant les zones tribales du sud du Gujarat, passant des heures sur la route, prenant des trains, des bus et parcourant des kilomètres à pied pour atteindre des territoires inexplorés. La prise de conscience que les traditions artistiques indigènes de l'Inde étaient en train de mourir et qu'il était nécessaire de les documenter a également conduit à des voyages à travers le Rajasthan, le Madhya Pradesh, l'Odisha et les quatre anciens États du sud de l'Inde. Il s'est également rendu dans des régions du Pendjab, du Jammu, du Ladakh, de l'Uttar Pradesh, du Bengale occidental et des îles Andaman Nicobar, effectuant sa dernière visite à des fins de documentation à Odisha en 1994. « L'art et la culture ne pouvaient pas être considérés comme exclusifs des gens, mais formaient un ensemble inséparable. parties de leur vie », note Bhatt.

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Incarnant les valeurs picturales des arts ruraux entrecoupées de références historiques de l'art, ses images témoignent du passé vécu et constituent un document d'archives qui documente, entre autres, les croyances et les pratiques religieuses, les sculptures sur pierre et les sanctuaires, les peintures murales et les broderies complexes. Leurs réflexions sont également évidentes dans les peintures et gravures de Bhatt qui incorporent des symboles du passé indigène dont il a été témoin. Si la série Kalpavruksha, par exemple, incarne le principe de purush-prakruti (homme-nature), dans l'acrylique emblématique A-B-Zee de My India de 2005, il a entrecoupé des motifs récurrents, des perroquets et paons au nag devta, avec des mots et des phrases. en anglais et en gujarati qui rassemblent l'Inde. « Dans tous les aspects, il était en avance sur son temps. Dans son art, il faisait certaines choses bien avant que les notions de post-modernisme ne soient abordées. Dans le cadre de l’éclectisme, c’était un homme qui étudiait comment les constructions linguistiques pouvaient se marier de manières extrêmement différentes. Sans négliger ni les espaces traditionnels ni les idées de changement qui surviennent en raison d'événements historiques ou technologiques, il a toujours été curieux des choses. Ainsi, sa préservation par la photographie d'objets en train d'être perdus ne s'inscrivait pas dans la notion d'une idée conservatrice de s'accrocher à un passé, mais plutôt dans la perspective de quelque chose dont il fallait se souvenir et « archivé » bien avant que les idées d'archivage ne voient le jour. », raconte l'artiste Rekha Rodwittiya, qui fut son élève à la FoFA de 1976 à 82. Elle se souvient de sa « politique féministe » et de la façon dont il voulait que ses étudiants grandissent au-delà de lui. « Il n’a jamais imposé de préférences linguistiques en tant qu’enseignant. Quelqu'un qui comprenait la valeur de l'investigation, de la recherche et des collaborations, il a encouragé ce genre de prémisses”, ajoute-t-elle.

En cours de route, de nombreux préjugés au sein des arts ont également été abordés. « Comme c'est le cas dans notre système de castes, il existe une classification hiérarchique parallèle suivie par la plupart de ceux liés au monde de l'art en Inde. Ainsi, une photographie est considérée comme inférieure à un « tirage graphique ». Et l’estampe, à son tour, occupe une place inférieure à celle de la peinture, tant par les galeries d’art que par les collectionneurs d’art. Comme si ce n'était pas assez erroné, il existe également des sous-castes », a-t-il déclaré dans un essai écrit pour le catalogue de son solo de 2019 à Vadodara.

Nature morte de Jyoti Bhatt (Source : Vadehra Art Gallery)

Bhatt continue d'apprendre et de découvrir. « C'est quelqu'un qui insiste sur le fait que la pratique de l'art est comme une riyaaz quotidienne », explique Rodwittiya. Ainsi, de nouvelles significations sont découvertes alors qu’il parcourt les « carnets de croquis » qu’il entretient depuis ses années d’étudiant, lorsqu’il se souvient avoir réalisé au moins 30 croquis par jour, à partir de son environnement et de portraits de ses camarades, pour l’évaluation de Bendre. Il existe également des journaux griffonnés de notes détaillant ses observations lors de ses voyages. « Après quelques années, j'ai commencé à ajouter des croquis de mes idées, à ajouter des notes écrites sur les couleurs, les matériaux et les méthodes qui pourraient être utilisées pour réaliser une peinture », note Bhatt. Il s'est également tourné vers certains d'entre eux pour l'exposition en cours à Delhi. « Les carnets de croquis sont devenus une sorte de machine à voyager dans le temps qui m'a ramené à l'époque où ces croquis étaient réalisés, et j'ai réalisé que j'ai commencé à aimer me souvenir de ces premiers jours. J'ai donc décidé de commencer à travailler sur ces vieux croquis sans ou avec le moins de modifications possible, en ajoutant les détails et les couleurs nécessaires comme j'aurais pu le faire à l'époque où les croquis étaient réellement réalisés. Mon intention de faire cela a décidé de la forme finale de ces peintures », ajoute-t-il.

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