Konstnären Vivan Sundaram minns tydligt spänning som föregick den förstakonstmässanvid Faculty of Fine Arts (FFA) vid Maharaja Sayajirao University (MSU) i Baroda 1961. Han höll på med sin kandidatexamen i måleri när den första upplagan av mässan hölls och han minns hur fakulteten och studenterna var angelägna med förväntan . ”Den samlade studenter från olika institutioner. Vi ombads att vara så innovativa som möjligt med våra verk avsedda för allmänheten. Det var en härlig läroprocess”, säger Sundaram, 79.
🚨 Tidsbegränsat erbjudande | Express Premium med ad-lite för bara 2 Rs/dag 👉🏽 Klicka här för att prenumerera 🚨
Den legendariska mässan, som lanserades på uppdrag av konstnärerna och pedagogerna KG Subramanyan och Santiniketan-alumnen Sankho Chaudhuri, syftade till att föra det större samhället i kontakt med konst. Designad efter modellen av Santiniketans mycket berömda konstmela, det bestod av föreställningar och workshops, såväl som en insamlingskampanj från försäljning av verk från lärare och studenter, som inkluderade leksaker, vykort, utilitaristiska föremål och masker tillsammans med tryckta portföljer, skulpturer och målningar. För att säkerställa överkomliga priser förblev prissättningen blygsamma. “Exponeringens pendel svängde mellan traditionerna från tidigare konstpraktik och nya idéer, vilket ledde till att folkkonst och hantverksformer introducerades i lärandets repertoar”, säger konstnären Rekha Rodwittiya, 63, som avslutade sin examen i måleri från FFA 1981 .
https://images.indianexpress.com/2020/08/1×1.png
Den radikala tankegång och intellektuella oliktänkande som institutionen en gång uppmuntrade, verkar dock nu vara hotad. Tidigare denna månad beslutade MSU Syndicate enhälligt att rustikera Kundan Yadav, en student på skulpturavdelningen, för att ha skapat konstverk som ledde till en protest från högergrupperpå campus tidigare denna månad. De verk som ansågs nedsättande var i form av utklipp av gudar och gudinnor med tidningsurklipp av våldsbrott mot kvinnor, inklusive våldtäkt, klistrade över dem. Lärare och studenter hävdade att verken inte var avsedda för offentlig visning, eftersom studenten inte var från den utgående gruppen och var en del av en konfidentiell undersökningsprocess. Men det var inte tillräckligt för att förhindra vandalisering eller rustikation. Händelsen inträffade exakt 15 år efter att en annan student, Chandramohan, stängdes av från konstskolan och arresterades för att ha avbildat Jesus och gudinnan Durga på ett “obscent sätt”. Han ska fortfarande få sitt examensbevis.
Best of Express Premium
Slag mot VIP-kulturen, eller politisk vendetta? Punjabs myndighetsordrar väcker rad
Varför jag blev kär i Microsofts Surface Laptop Studio trots sina…
Straff för förseningar, sänkningar av veckolönen: Livet blir mer riskabelt i 10 minuter…
Inquilab Zindabad-slogan kommer att förbli relevant tills folk fortsätter…Mer Premium Berättelser >> LÄS OCKSÅ |Möt Usha Jey vars hiphop Bharatanatyam-blandning blev viral den här veckan
***
Inrättad 1950 på rekommendation av Hansa Mehta-kommitténs rapport om utbildningspolitik för presidentskapet i Bombay, definierades läroplanen och etiken för konstfakulteten i Baroda av dess första dekan Markand Bhatt och ståndarna NS Bendre och Chaudhuri. Född i det självständiga Indien och utan kolonialt bagage, var det assimilering av befintliga tekniker och traditionella indiska konstformer, klassiska stilar, konsthistoriaoch estetik. Diskussionerna på FFA spred sig från klassrum till ateljéer och hem för konstnärer. Det välsorterade biblioteket hade det bästa av konstböcker och internationella tidskrifter. Studieturer som organiserades till platser som Ajanta-Ellora, Udaipur och Mahabalipuram såg lärare laga mat åt elever och resa med dem i andra klassens fack. Konstnären Jyoti Bhatt, en elev i den första omgången, minns de okonventionella undervisningsmetoderna. “Som professor Bendre och Chaudhuri, visade Mani da (Subramanyan) oss också sätt att rita eller komponera på papper. Han gjorde dock ofta teckningar på målaravdelningens golv. Några av oss kopierade dessa teckningar senare”, säger Bhatt, 88.
I den gemytliga atmosfären var dialogen mellan lärare och elever inte begränsad till akademiker. “Fakulteten var epicentrum och det var en enda stor familj”, säger Bhatt. Son till en pedagog i Bhavnagar stannade han hos Markand under lång tid som student, eftersom han inte hade råd med vandrarhem. Gulmammohammed Sheikh anlände till Baroda 1955 och fick Saurashtras statliga stipendium på 50 Rs per månad. Han kompletterade det oregelbundna stipendiet med inkomster från beställda porträtt, läsa poesi i radio och skrivuppgifter. Han höll fortfarande på med sin mastersexamen när Bendre bjöd in honom att gå som en tillfällig handledare i konsthistoria med en lön på 250 Rs i månaden 1960. När han kommer från Surendranagar minns han hur Baroda öppnade en ny värld för honom. “Vad pionjärerna visualiserade var en konstnär som var läskunnig och utbildad, en ny medborgare i det moderna Indien, eftersom det sammanföll med landets självständighet. Det var en liten institution, förhållandet mellan lärare och elev var 1:10 eller 1:15. Studiorna var enorma, de var som lagerlokaler och var öppna hela dagen och natten. För någon som mig, som kom från en liten stad, var det en fantastisk upplevelse att lära sig av lärare som arbetade tillsammans med dig”, säger Sheikh, 85.
I ett försök att etablera en vokabulär som var talande för tiden, såg institutionen under de första åren konstnärer svara på föreställningar om kubism och abstraktion, avbilda sin omgivning och därefter övergå till den figurativt-narrativa stilen. 1956, på inrådan av Bendre, Baroda-konstnärernagick samman för att bilda Baroda Group, som inkluderade sådana som GR Santosh, Ratan Parimoo, Subramanyan, Shanti Dave, Bendre, Bhatt och Ramesh Pandya. De ställde ut i städer som Bombay, Ahmedabad och Srinagar, mellan mitten av 1950-talet och mitten av 60-talet, och deras verk blev kritikerrosade. Showcasen skildrade deras gemensamma angelägenheter och deras distinkta konstnärliga val. 1969 lanserade Bhupen Khakhar och Sheikh tidskriften Vrishchik, för att uttrycka konstnärers åsikter, dela deras arbete och ta upp relevanta frågor, vilket inkluderade en kampanj för att reformera Lalit Kala Akademi i början av 70-talet.
LÄS ÄVEN | Vad gör Brasília ikoniskt på världsarkitekturkartan
I sin artikel “Baroda School's Contribution to Contemporary Art's Trends” skriver Parimoo, konsthistoriker och tidigare dekanus vid FFA: “Baroda-skolan är kollektivt vad alla dess aktiva deltagare har gjort den vid varje given tidpunkt. Baroda har inga rebeller, snarare är alla rebeller på sitt sätt. Det är på detta dialektiska sätt som alla motstridiga avantgardesynpunkter fungerar sida vid sida, oförenliga med varandra men ändå öppna för deras utvecklingsmöjligheter.”
Med sitt formidabla rykte om att främja talang och hysa pluralistiska influenser, började FFA uppmärksamma artister från hela Indien. MF Husain gav demonstrationer för studenter i slutet av 50-talet; 1971 organiserade Krishen Khanna en visning av sina verk. På 60- och 70-talen fick flera medlemmar av Baroda-fakulteten prestigefyllda stipendier – om Parimoo studerade vid The Courtauld Institute of Art i London på ett Commonwealthstipendium 1960, nästa år fick Bhatt ett italienskt statligt stipendium för att studera vid Academi di Belle Arti di Neapel och en Fulbright 1964.
Från 1963 till ’66 studerade Sheikh vid Royal College of Art, London, på ett Commonwealth-stipendium. Konstnären Veer Munshi tog sin examen i måleri från FFA från 1976 till 1981 och minns att klassrummet var fullt av elever från hela Indien och världen. “Nasreen (Mohamedi) skulle be oss sopa studiorna och städa marken innan vi började arbeta. Vi förstod inte varför då, men nu inser jag hur det förde oss närmare naturen. Hon uppmuntrade oss att rita hittade föremål och vi skulle göra hundratals skisser på en dag och besöka många platser, inklusive järnvägsstationen”, säger Munshi.
***
Skolan har fortsatt att producera konstnärer av höjd över generationer — från doyens som Jyotsna och Jyoti Bhatt till Nilima och Gulammohammed Sheikh, Jeram Patel, Himmat Shah och Haku Shah till samtida konstnärer som LN Tallur, N Pushpamala, Sheela Gowda, Mrinalini Mukherjee , Nikhil Chopra, Prabhakar Pachpute, Abir Karmakar och Shreyas Karle.
Under åren har konstmässan, som lockade människor från hela Gujaratoch bortom, har blivit sällsynt men den årliga MSU-utställningen för sistaårsstudenter lockar folkmassor. I takt med att priserna på indisk konst eskalerat har det också blivit en jaktmark för gallerister att upptäcka morgondagens potentiella stjärnor och även för att förutse trender. Miljön på Baroda har alltid uppmuntrat individualistiskt tänkande. Flera konstnärer jag jobbar med är från fakulteten och jag gör definitivt några studiobesök när jag reser till staden. Även i år har jag anmält två unga konstnärer”, säger Bhavna Kakar, chef för Latitude 28 Gallery i Delhi, som läste sin masterexamen i konsthistoria från MSU 2000-2002.
I takt med att den sammanhållna kretsen av konstnärer, som kallar Baroda sitt hem, växte, utvecklades också ett ekosystem runt dem . Staden kanske fortfarande inte kan skryta med många konstgallerier, men dess läge på samma avstånd mellan konstcentra i Delhi och Mumbai garanterar möjligheter. Flera ateljékollektiv har också utvecklats för att ge unga konstnärer en gynnsam miljö att öva på.
Även om det rykte som dess grundare byggde består, har mycket också förändrats. I och med att marknaden har blivit en drivkraft för studenter har fokus flyttats från lärande och experimenterande till att hitta möjligheter för monetarisering. ”När jag studerade i Baroda insåg jag att det var svårt att särskilja olika typer av kulturyttringar – vi hade författare, musiker, traditionella folkartisterkommer för att prata med oss. Detta är något som gjorde Baroda speciell. Så när vi undervisade försökte vi få in dessa tillvägagångssätt. Vi hoppades att det skulle finnas en kedja, men vi vet inte hur det kommer att bli under de kommande åren,” säger Vasudevan Akkitham, 64, som var lärare på avdelningen för måleri från 1990 till 2020. Pedagogiska frågor kräver uppmärksamhet eftersom kursplanen förblir oförändrad även om undervisningsmetoderna kan ha förändrats över tid. Byråkratiska normer som kräver en obligatorisk doktorsexamen för att undervisa vid universitet avskräcker samtidigt praktiserande konstnärer från att söka tjänster. ”När det gäller tillsättning av lärare kan doktorsexamen inte vara det enda kriteriet för ett praktiskt ämne. När KG Subramanyan undervisade, utsåg han Gyarsilal Varma, en traditionell hantverkare från Jaipur, att lära oss… Om lärare bara kommer med en teoribaserad doktorsexamen kanske de inte kan göra någon praktisk undervisning i klassrummen”, säger Akkitham. “Trots kontroverserna och den orättvisa propagandan om institutionen”, säger han, får de fortfarande cirka 300 ansökningar vardera för 14 platser i Masters och 25 platser i grundkurser för målning.
LÄS ÄVEN |Jathedar of Akal Takht vill ha harmonium ersatt från Gurbani sangeet; men är det fortfarande ett främmande instrument?
Just de korridorer som en gång såg engagerande argument, är nu på sidan av försiktighet. Den ökande censuren av konsten i landet har inneburit ett slut på frigående samtal och kreativa experiment. Studiorna följer nu timings och nakenstudier, en gång en viktig del av akademiker, har avbrutits. Efter Chandramohan-incidenten 2007 antogs en resolution om att kontrollera och godkänna alla verk i den årliga utställningen innan den öppnades. ”Konstnären är en intressant krönikör av sin tids etos… Om vi stör denna process genom skrämsel och vaksamhet kommer vi utan tvekan att skapa skeva berättelser som återspeglar och vidmakthåller endast de dominerande majoritära åsikterna som historia… ett klimat av rädsla och förtryck har injicerats i samhället där unga kreativa människor är försiktiga med att artikulera sina idéer fritt”, säger Rodwittiya. “Skadan som gjordes 2007 och igen i år är kanske irreparabel”, säger Bhatt.
Förmodligen ett av de mest talande exemplen på självcensur är Sundarams ovilja att visa upp några av de verk han gjort i 1965-66 vid sin retrospektiv i Delhi 2018. Han “döljde” i förebyggande syfte verken. “Det var en målning med en viss ikonografi som jag kunde ställa ut fritt på 60-talet, men som jag inte ville visa nu, med tanke på tiden”, säger Sundaram.