Bharti Kher (Photo express par Abhinav Saha)
Le titre de votre exposition actuelle 'Strange Attractors' (à la galerie Nature Morte, Delhi , jusqu'au 6 février) fait référence à un concept mathématique de la théorie du chaos. En 2020, votre exposition new-yorkaise s'intitulait « The Unexpected Freedom of Chaos ». Est-il également influencé par le chaos ambiant ?
Au cours des 20 dernières années environ, il y a eu un croisement plus soutenu et plus accessible entre la physique, d'autres sciences, disons l'astronomie, la pensée créative et la arts. Il existe des théories selon lesquelles l'univers est un organisme unique, à travers les espaces de la théologie, de la philosophie, de la poésieet l'astronomie. En tant qu'artiste, j'ai toujours eu à cœur de parler de l'éphémère. Quand je fais une œuvre, j'essaie de puiser dans les choses que je ne vois pas. Quand j'avais environ huit ans, mon professeur d'art m'a appris à voir l'espace autour d'un objet et comment il définissait l'objet lui-même. Cela a fondamentalement changé ma façon de voir le monde et l'art. Mon travail concerne toutes les choses qui m'intéressent en tant que personne. Il s'agit de l'unité des contraires et de cette contradiction inhérente.
Vous avez souvent utilisé la technique du body casting dans votre travail. Cette exposition a Pieta (2018), qui est un casting de ta mère. Dans Six Women (2013-15), vous choisissez des travailleuses du sexe de Sonagachi.
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Je fais des moulages en plâtre depuis plus de deux décennies. Ils portent quelque chose d'une autre dimension et ajoutent une essence de la personne réelle dans l'œuvre imaginaire. Lorsque le pansement chauffe, il ouvre les pores de la peau et capture quelque chose sur une personne qu'elle ne veut peut-être même pas partager avec moi. Un corps peut-il porter de nombreux récits, même ceux qui ne lui appartiennent pas, comme celui de vos ancêtres ?
Quand je coulais le travailleuses du sexe, j'étais consciente de la différence entre l'empathie et l'exploitation. Qu'est-ce que cela signifiait pour moi, en tant que femme, de les payer pour mouler leur corps ? Les femmes ont dit exactement la même chose que ma mère a fait après avoir vu leur propre casting – “C'est juste un corps”. Nous sommes souvent si critiques de nos corps en tant que femmes mais dans le casting, nous sommes plus indulgentes parce qu'il y a une transition de la réalité et vous vous voyez en chair, pour ainsi dire, comme bien plus que juste votre forme.
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Je crois que les mannequins que vous utilisez sont similaires à ce que votre mère avait dans son magasin de textile au Royaume-Uni.
Mon père était un marchand de textile et ma mère avait sa propre boutique de textile, j'ai donc grandi avec une compréhension et un amour des textiles. Il y a quelques années, j'ai vu des mannequinsdans l'atelier d'un ami artiste à Bangalore et les lui a demandés. Ils me rappelaient les mannequins que ma mère utilisait dans sa boutique dans les années 70 – fantastiquement peints, voluptueux avec une petite taille. L'imagerie féminine ressemblait alors à ça. Le corps a beaucoup changé maintenant, et il est intéressant de noter que la perspective de ce à quoi le corps est censé ressembler change également avec le temps. Les mannequins sont restés dans mon atelier pendant quelques années avant que je décide de commencer à les refondre en résine et en plâtre et à les transformer.
Vous travaillez aussi beaucoup avec des objets trouvés. Lorsque vous êtes arrivé à Delhi pour la première fois dans les années 90, je crois que vous avez entrepris de découvrir la ville à travers ses marchés.
Si vous voulez connaître un nouvel endroit, promenez-vous dans les rues. Old Delhi était et est toujours mon préféré. J'avais l'habitude d'aller beaucoup au Chor Bazar et j'ai encore beaucoup de ce que j'y achetais à cette époque, y compris des yeux en céramique, des sculptures en papier mâché, des objets en bois et un vieux catalogue d'art du calendrier. Mon premier fournisseur de bindi est également à Sadar Bazar.
Cape for MM, 2018, Sari, résine, métal, 80 3/4 x 36 1/4 x 36 1/4 po | 205 x 92 x 92 cm (Avec l'aimable autorisation de l'artiste et de Nature Morte)
J'ai l'impression que les objets sont animés comme nous. Ils ont hérité d'histoires. Je suis intéressé à les pousser vers un nouvel espace, à approfondir les mystères des choses familières et à se transformer en leur nouveau moi. J'aime penser que lorsque je change un objet, je le débarrasse parfois de son passé. Lorsque je lance un casting, j'aime dire aux gens que vous pouvez laisser ce que vous voulez dans cette salle aujourd'hui – c'est comme une catharsis. L'art, à bien des égards, est une manifestation d'idées, de vérité, de fiction, transformation d'objets réunis pour créer un happening. Dans cette exposition, Cloak for MM est un hommage à mon ami Mrinalini Mukherjee. C'était une grande artiste, une collectionneuse et une porteuse des textiles les plus fantastiques, et ce sont ses saris que j'ai utilisés. Le sens ici est que le corps est masqué, elle pourrait devenir invisible et aussi réapparaître à volonté. C'est aussi un linceul.
En 2010, vous avez lancé un projet de 30 ans appelé The Virus Series, où vous avez décidé de faire un bindi chaque année avec un texte qui enregistrait vos observations et prédictions. Qu'est-ce qui a motivé le projet ?
La série est un amalgame de nombreux intérêts que j'ai et des travaux que je fais en studio. Au début, je l'avais imaginé comme une pièce unique qui a été montrée en 2008. J'ai réalisé que l'œuvre avait un potentiel de vortex, un espace pour entrer dans mon monde qui est différent de ce que vous connaissez et du monde extérieur. J'ai commencé à développer davantage le travail et à écrire le texte, qui change chaque année. Il fonctionne comme une chronologie qui marque les événements et les possibilités pour cette planète Terre. Il fait référence à la recherche spatiale, à la science, à l'actualité, à la politique et aux événements qui marquent nos vies et à la fin de chaque paragraphe, j'ajoute mon âge pour marquer l'œuvre dans le temps. J'ai montré 11 œuvres jusqu'à présent.
Animus Mundi, 2018, Sari, résine, métal, 80 1/4 x 32 1/4 x 54 po | 204 x 82 x 137 cm (Avec l'aimable autorisation de l'artiste et de Nature Morte)
J'ai commencé quand j'avais 40 ans, et je pensais que 30 ans était une bonne période, jusqu'à ce que j'aie 70 ans. Une chronologie donne la fin. Une partie du texte du Virus XII, 2021, dit : « Pilules contraceptives masculinessera mis à disposition, ce qui en fera le contraceptif masculin le plus important depuis le préservatif. De nouvelles voitures volantes hybrides entièrement autonomes seront vues dans le ciel, évitant les embouteillages sur les routes. Certaines de mes prédictions ont été absurdement fausses et certaines sont tout à fait exactes. Virus 2022 sera présenté à la galerie Arnolfini à Bristol, au Royaume-Uni.
Au fil des ans, le bindi est devenu votre pigment. Si vous pouviez parler du médium. Aussi, notamment en référence à la série “Atlas”.
Je suis assez fluide dans mes méthodes de travail et le bindi est maintenant devenu un élément d'un même matériau. Il a évolué comme un code, un langage que j'ai inventé. C'est un symbole de conscience qui peut être une représentation physique du troisième œil intérieur d'une personne, et il porte également des lectures féministes. Je continue à développer cela davantage.
Strange Attractor, 2021, Fibre, bois, laine, lumière, 42 x 28 x 68 in | 106,6 x 71,1 x 172,7 cm (Avec l'aimable autorisation de l'artiste et de Nature Morte)
Sur les cartes, j'utilise les bindis pour établir des liens, dépeindre nos voyages, nos mouvements intérieurs et extérieurs et physiques. Les cartes elles-mêmes en disent long. Il y a quelques années, j'ai réussi à me procurer trois éditions de L'Atlas Larousse dans un magasin d'occasion en France. Publiée en 1947, l'introduction prédit comment l'hégémonie de l'Europe changera d'ici la fin du siècle et nous verrons un déplacement du pouvoir vers l'Est. J'ai utilisé ces cartes comme base pour de nouvelles œuvres, où les cartes sont des entrées dans l'espace de se perdre car elles ne vont nulle part et partout… Les bindis marquent des positions humaines et des vestiges de mémoire. Je les utilise pour obscurcir les visualisations historiques du monde, remettre en question les notions préexistantes d'appartenance, faire tomber les frontières et penser au contexte de la terre comme un petit point dans l'univers.
le dilemme social d'une mère
Si vous pouviez parler des origines de la "série Intermédiaires" de sculptures hybrides réalisées avec des poupées golu.
L'hybridité dans mes œuvres fait partie de mon langage depuis mes premières années à l'université, où mes peintures parlaient toutes d'êtres hybrides, mi-homme mi-cheval, etc. En 2003, j'ai commencé à faire une série d'œuvres appelée la série hybride, juste après la naissance de ma fille. Ces cinq photographies numériques ont été un précurseur de bon nombre des déesses hybrides que j'ai réalisées plus tard. Ils ont vraiment poussé les possibilités du corps en permettant à la silhouette d'être plus grande qu'eux-mêmes. Les femmes sont vulnérables à certains égards mais aussi fantastiques, puissantes et surréalistes.
Une unité naturelle des contraires, 2021, Techniques mixtes, Dimensions variables (Avec l'aimable autorisation du artiste et Nature Morte)
La “Série Intermédiaires’ ; a commencé lorsque je suis tombé sur les formes d'argile du sud de l'Inde. Ils sont arrivés dans mon studio dans une énorme caisse après un an de collecte, mais la plupart ont été cassés en cours de route. Au début, j'ai pensé que c'était un terrible gâchis, mais tout à coup, cela m'a semblé fantastique. J'ai commencé à rattacher les pièces les unes aux autres, puis à les casser en deux et à les assembler, créant ainsi des possibilités de moitié-moitié. Ils sont fluides, non genrés et indistincts en termes d'identité. J'en ai fait des centaines en quelques années, dont certaines que j'ai rejetées. J'ai montré 20 œuvres au salon de New York en 2020 et quelques-unes que j'ai développées en bronzes monumentaux, qui ont été exposées dans de nombreux pays. The Intermediary Family était à Frieze en 2018 et à Harvard en 2019. The Fallow est actuellement exposé à Chichester et je réalise actuellement la pièce la plus ambitieuse : une œuvre en bronze de 18 pieds qui sera à l'extérieur de Central Park, New York, en septembre 2022 organisée par Daniel Palmer et The Public Art Fund. L'œuvre s'appelle Ancestor.
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