„Wenn ich eine Arbeit mache, greife ich auf die Dinge zu, die ich nicht sehe“: Bharti Kher

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Bharti Kher (Express-Foto von Abhinav Saha)

Der Titel Ihrer aktuellen Ausstellung „Strange Attractors“ (in der Galerie Nature Morte, Delhi , bis 6. Februar) bezieht sich auf ein mathematisches Konzept innerhalb der Chaostheorie. 2020 trug Ihre New Yorker Ausstellung den Titel „The Unexpected Freedom of Chaos“. Wird es auch vom Chaos beeinflusst?

In den letzten 20 Jahren gab es eine nachhaltigere und zugänglichere Überschneidung zwischen Physik, anderen Wissenschaften, sagen wir Astronomie, kreativem Denken und der Künste. Es gibt Theorien darüber, dass das Universum ein einziger Organismus ist, in den Bereichen Theologie, Philosophie, Poesieund Astronomie. Als Künstler war es mir schon immer wichtig, über das Vergängliche zu sprechen. Wenn ich eine Arbeit mache, versuche ich, die Dinge zu erschließen, die ich nicht sehe. Als ich ungefähr acht Jahre alt war, brachte mir mein Kunstlehrer bei, wie man den Raum um ein Objekt herum sieht und wie er das Objekt selbst definiert. Das hat meine Sicht auf die Welt und Kunst grundlegend verändert. In meiner Arbeit geht es um all die Dinge, die mich als Person interessieren. Es geht um die Einheit der Gegensätze und diesen innewohnenden Widerspruch.

Du hast die Technik des Körperabgusses oft in deiner Arbeit verwendet. Diese Ausstellung zeigt Pieta (2018), einen Abguss Ihrer Mutter. In Six Women (2013-15) hast du Sexarbeiterinnen aus Sonagachi gecastet.

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Ich mache Abgüsse in Gips seit mehr als zwei Jahrzehnten. Sie tragen etwas von einer anderen Dimension und fügen der imaginären Arbeit eine Essenz der realen Person hinzu. Wenn sich das Pflaster erwärmt, öffnet es die Poren der Haut und fängt etwas über eine Person ein, die sie vielleicht gar nicht mit mir teilen möchte. Kann ein Körper viele Erzählungen tragen, selbst die, die nicht zu ihm gehören, wie die Ihrer Vorfahren?

Pieta, 2018, Gips, Wachs, 170 x 76 x 76 cm | 175,3 x 76,2 x 76,2 cm (mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und von Nature Morte)

Als ich den gegossen habeSexarbeiterinnen war mir der Unterschied zwischen Empathie und Ausbeutung bewusst. Was bedeutete es für mich als Frau, sie für das Gießen ihrer Körper zu bezahlen? Die Frauen sagten genau dasselbe, was meine Mutter sagte, nachdem sie ihren eigenen Gips gesehen hatte – „Es ist nur ein Körper“. Als Frauen stehen wir unseren Körpern oft so kritisch gegenüber, aber in der Besetzung sind wir nachsichtiger, weil es einen Übergang der Realität gibt und Sie sich sozusagen im Fleisch als viel mehr als nur Ihre Form sehen.

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Ich glaube, die Schaufensterpuppen, die Sie verwenden, ähneln denen, die Ihre Mutter in ihrem Textilgeschäft in Großbritannien hatte.

Mein Vater war Textilkaufmann und meine Mutter hatte ein eigenes Textilgeschäft, sodass ich mit dem Verständnis und der Liebe zu Textilien aufgewachsen bin. Vor einigen Jahren sah ich Schaufensterpuppenin einem Atelier eines befreundeten Künstlers in Bengaluru und bat ihn darum. Sie erinnerten mich an die Schaufensterpuppen, die meine Mutter in den 70er Jahren in ihrem Laden trug – fantastisch bemalt, üppig mit schmalen Taillen. Frauenbilder sahen damals so aus. Der Körper hat sich inzwischen stark verändert, und es ist interessant, dass sich auch die Perspektive, wie der Körper aussehen soll, mit der Zeit ändert. Die Schaufensterpuppen waren einige Jahre in meinem Atelier, bevor ich beschloss, sie in Harz und Gips umzugießen und zu transformieren.

Du arbeitest auch viel mit Fundstücken. Als Sie in den 90er-Jahren zum ersten Mal nach Delhi kamen, wollten Sie die Stadt vermutlich über ihre Märkte entdecken.

Wenn Sie einen neuen Ort kennenlernen möchten, gehen Sie durch die Straßen. Alt-Delhi war und ist immer noch mein Favorit. Ich bin oft zum Chor Bazar gegangen und habe immer noch viel von dem, was ich dort in diesen frühen Tagen gekauft habe, darunter Keramikaugen, Pappmaché-Skulpturen, Holzartefakte und alte Kataloge mit Kalenderkunst. Mein erster Bindi-Lieferant ist auch in Sadar Bazar.

Umhang für MM, 2018, Sari, Harz, Metall, 80 3/4 x 36 1/4 x 36 1/4 Zoll | 205 x 92 x 92 cm (mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und Nature Morte)

Ich habe das Gefühl, dass Objekte wie wir belebt sind. Sie haben Geschichten geerbt. Ich bin daran interessiert, sie in einen neuen Raum zu drängen, tiefer in die Geheimnisse vertrauter Dinge einzudringen und sich in ihr neues Selbst zu verwandeln. Ich denke gerne, wenn ich ein Objekt verändere, befreie ich es manchmal von seiner Vergangenheit. Wenn ich Castings mache, sage ich den Leuten gerne, dass Sie heute in diesem Raum lassen können, was Sie wollen – es ist wie eine Katharsis. Kunst ist in vielerlei Hinsicht eine Manifestation von Ideen, Wahrheit, Fiktion, Transformation von Objekten, die zu einem Happening zusammenkommen. In dieser Ausstellung ist Cloak for MM eine Hommage an meinen Freund Mrinalini Mukherjee. Sie war eine großartige Künstlerin und Sammlerin und Trägerin der fantastischsten Textilien, und dies sind ihre Saris, die ich verwendet habe. Der Sinn dabei ist, dass der Körper getarnt ist, sie könnte unsichtbar werden und auch nach Belieben wieder auftauchen. Es ist auch ein Leichentuch.

Im Jahr 2010 starteten Sie ein 30-jähriges Projekt namens The Virus Series, bei dem Sie beschlossen, jedes Jahr ein Bindi-Werk mit einem Text zu erstellen, der Ihre Beobachtungen und Vorhersagen aufzeichnet. Was hat das Projekt veranlasst?

Die Serie ist eine Verschmelzung vieler Interessen, die ich habe, und Arbeiten, die ich im Studio mache. Zuerst hatte ich es mir als Einzelstück vorgestellt, das 2008 gezeigt wird. Mir wurde klar, dass die Arbeit das Potenzial hatte, ein Wirbel zu sein, ein Raum, um in meine Welt einzutreten, die sich von dem unterscheidet, was Sie kennen, und von der Außenwelt. Ich fing an, die Arbeit weiterzuentwickeln und den Text zu schreiben, der sich jedes Jahr ändert. Es verhält sich wie eine Zeitleiste, die Ereignisse und Möglichkeiten für diesen Planeten Erde markiert. Es bezieht sich auf Weltraumforschung, Wissenschaft, aktuelle Angelegenheiten, Politik und Ereignisse, die unser Leben prägen, und am Ende jedes Absatzes füge ich mein Alter hinzu, um die Arbeit rechtzeitig zu markieren. Ich habe bisher 11 Arbeiten gezeigt.

Animus Mundi, 2018, Sari, Harz, Metall, 80 1/4 x 32 1/4 x 54 Zoll | 204 x 82 x 137 cm (mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und Nature Morte)

Ich habe mit 40 angefangen und dachte, dass 30 Jahre eine gute Spanne sind, bis ich 70 bin. Eine Zeitleiste schließt das ab. Ein Teil des Textes für Virus XII, 2021, sagt: „Männliche Antibabypillenzur Verfügung gestellt und ist damit das wichtigste Verhütungsmittel für Männer seit dem Kondom. Neue vollautonom fliegende Hybridautos werden am Himmel zu sehen sein und Staus auf den Straßen vermeiden.“ Einige meiner Vorhersagen waren absurd falsch und einige sind ziemlich genau. Virus 2022 wird in der Arnolfini-Galerie in Bristol, Großbritannien, gezeigt.

Im Laufe der Jahre hat sich das Bindi zu Ihrem Pigment entwickelt. Wenn Sie über das Medium sprechen könnten. Auch insbesondere in Bezug auf die „Atlas“-Reihe.

Ich bin ziemlich fließend in meinen Arbeitsmethoden und das Bindi ist jetzt ein Element aus einem Material geworden. Es hat sich zu einem Code entwickelt, einer Sprache, die ich erfunden habe. Es ist ein Symbol des Bewusstseins, das eine physische Darstellung des dritten, inneren Auges einer Person sein kann, und es trägt auch feministische Lesarten. Diese entwickle ich laufend weiter.

Strange Attractor, 2021, Faser, Holz, Wolle, leicht, 42 x 28 x 68 in | 106,6 x 71,1 x 172,7 cm (mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und Nature Morte)

Auf den Karten verwende ich die Bindis, um Verbindungen aufzubauen, unsere Reisen darzustellen, innere und äußere und körperliche Bewegung. Die Karten selbst sagen so viel aus. Vor einigen Jahren gelang es mir, drei Ausgaben des Larousse-Atlas in einem Second-Hand-Laden in Frankreich zu ergattern. Die 1947 veröffentlichte Einleitung prognostizierte, wie sich die Hegemonie Europas bis zum Ende des Jahrhunderts verändern und wir eine Machtverschiebung nach Osten erleben werden. Ich habe diese Karten als Grundlage für neue Arbeiten verwendet, in denen die Karten Eintritte in den Raum des Sich-Verlierens sind, während sie nirgendwo und überall hingehen … Die Bindis markieren menschliche Positionen und Erinnerungsreste. Ich benutze sie, um historische Visualisierungen der Welt zu verschleiern, bereits bestehende Vorstellungen von Zugehörigkeit zu hinterfragen, Grenzen einzureißen und über den Kontext der Erde als kleinen Punkt im Universum nachzudenken.

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Wenn Sie über die Ursprünge der ‘Vermittlerserie’ von hybriden Skulpturen aus Golu-Puppen.

Hybridität in meinen Werken ist seit meinen frühen Jahren auf dem College Teil meiner Sprache, als sich meine Bilder um hybride Wesen drehten, halb Mensch, halb Pferd und so weiter. Im Jahr 2003, direkt nach der Geburt meiner Tochter, begann ich mit der Arbeit an einer Reihe von Werken namens Hybrid Series. Diese fünf digitalen Fotografien waren ein Vorläufer für viele der späteren hybriden Göttinnen, die ich gemacht habe. Sie haben die Möglichkeiten des Körpers wirklich erweitert, indem sie der Figur erlaubten, größer als sie selbst zu sein. Die Frauen sind in gewisser Weise verletzlich, aber auch fantastisch, kraftvoll und surreal.

Eine natürliche Einheit der Gegensätze, 2021, Mixed Media, Dimensionsvariable (Courtesy of the Künstler und Nature Morte)

Die „Vermittlerserie“’ begann, als ich in Südindien auf die Tonformen stieß. Sie kamen nach einem Jahr des Sammelns in einer riesigen Kiste in mein Studio, aber die meisten gingen unterwegs kaputt. Zuerst dachte ich, es wäre eine schreckliche Verschwendung, aber plötzlich schien es fantastisch. Ich fing an, Teile wieder aneinander zu befestigen und sie dann in zwei Hälften zu brechen und zusammenzufügen, um Möglichkeiten von Halb und Halb zu schaffen. Sie sind fließend, nicht geschlechtsspezifisch und in Bezug auf die Identität undeutlich. Ich habe Hunderte von ihnen über ein paar Jahre gemacht, von denen ich einige abgelehnt habe. 20 Werke habe ich auf der Ausstellung in New York 2020 gezeigt und einige davon zu monumentalen Bronzen weiterentwickelt, die in zahlreichen Ländern ausgestellt wurden. The Intermediary Family war 2018 auf der Frieze und 2019 in Harvard. The Fallow wird derzeit in Chichester ausgestellt, und ich fertige jetzt das ehrgeizigste Stück an: eine 18-Fuß-Bronzearbeit, die im September 2022 vor dem Central Park in New York zu sehen sein wird kuratiert von Daniel Palmer und The Public Art Fund. Das Werk heißt Ancestor.

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